Javier Fresneda

“Pasos infinitos”

Exposición del 9 de Abril  al  15 de Mayo de 2010

©®Javier Fresneda

En su primera exhibición individual en Madrid, el joven artista Javier Fresneda (Segovia, 1982), presenta un proyecto específico para la galería José Robles a través de la interrelación de diversos formatos como la instalación, el dibujo o la fotografía.

Para esta ocasión, una pieza “MaquetaBlanca” de su última serie MontañaMúltiple (2009), una instalación especialmente realizada para la galería José Robles junto a una serie de dibujos, permitirán sumergirse en el personal imaginario de uno de los nuevos valores emergentes en su generación.

El proyecto “Pasos Infinitos” interpreta sucesos puntuales en la historia del alpinismo como lugares comunes donde la Geografía, la ficción o la utopía se mezclan en narrativas y metodologías novedosas. Fresneda combina las rutas de escalada más difíciles del mundo en su personal cartografía del peligro, o experimenta con modos de narrar y construir sucesos históricos particulares. La combinación de posibilidades y la creación de metodologías de investigación definen las piezas presentes en “Pasos Infinitos”.

Javier Fresneda es MFA por la Universidad Europea (Madrid) y Licenciado en Bellas Artes por la UCM. Su obra ha sido exhibida en Kunsthaus Bethanien (Berlín), VBienal VentoSul (Brasil) y está presente en colecciones como Fundación IAC (México) ó  INDOC (España). Recientemente ha sido incluido en la 1ª Edición de Premios a la creación Contemporánea MataderoMadrid, el XI Premio ABC o la Feria JUSTMADRID.

Galería José Robles

C/ Belén n º 2

28004 – Madrid

+34 915500548

ELKE BOON

“Stitches and images”

18 marzo – 22 mayo 2010

©®ELKE BOON

Elke Boon (Gante, Bélgica, 1979) es una artista multidisciplinar que transita entre la instalación, el dibujo, el video y la fotografía. En su obra siempre se encuentra algo latente, inesperado, que de ninguna manera se ve a primera vista: un universo singular. Sus retratos están llenos de seres humanos vulnerables y frágiles, casi a punto de romperse en pedazos. Su composición, simple pero que recoge la tradición pictórica, convierte a sus personajes casi en iconos. Voyeurismo y exhibicionismo conviven milagrosamente en la misma estancia.

La exposición “Stitches and images” (literalmente “puntos de sutura e imágenes”) hace una referencia explícita a lo descarnado y físico de su acercamiento al retrato como género que sin embargo cuestiona y derrumba como un castillo de naipes. Sus personajes destilan ambigüedad y sexualidad a la vez que espontaneidad y frescura. Elke no toma partido ya que simplemente pone sobre la mesa la eterna batalla entre lo que la gente es y lo que quiere ser, y entre eso y lo que la sociedad espera o demanda de ellos.

La obra en video resulta muy desconcertante y sorprendente, siempre con una cámara fija que parece estar a la espera de un acontecimiento inaudito o una representación preparada especialmente para el espectador.

Por último, los dibujos de Elke están llenos de figuras con cuerpos de los que florecen rosas como por encantamiento, o extraños puntos rojos, ¿sangre quizá? Todos ellos de una corporeidad carnal y una simplicidad admirables.

Según el comisario Frederick de Preester, “el secreto reside en darse cuenta de que detrás de algo que nos resulta familiar, realmente se encuentra algo diferente”.

camara oscura galeria de arte

c/ Alameda, 16, 1º B

28014 Madrid

Ricky Dávila

NO VODKA ON THE MOON

Hasta el 16 – 4 – 2010

©®Ricki Dávila

Ricky Dávila ha trabajado en numerosos medios nacionales e internacionales como el diario El Sol, la agencia Cover o El País Semanal y ha recibido numerosos premios y galardones. Ya alejado del medio editorial, su trabajo se reorienta en la última década hacia un documentalismo subjetivo, que encuentra su escenario natural en el medio museístico y la edición de libros de autor, como son: ‘Retratos’ (2000), ‘Manila’ (2005), ‘Alakrana’ (2006) e ‘Ibérica’ (2007).

La exposición ‘No Vodka on the moon’ nos invita a un viaje perdido en busca de una nueva vida, ausencias que se hacen presentes, sueños que se manifiestan y transforman en imágenes misteriosas, silenciosas y gélidas, que cuando nos miran traspasan nuestra epidermis para inyectarnos amor incondicional. Poemario visual realizado en Ucrania en enero de 2007, tiempo y lugar en los que Nikolai Dávila Olano dió su adiós definitivo al orfanato n.3 de Odessa.

UFCA

Avda.fuerzas armadas,26

Algeciras

La Visión del Otro. La Modernidad y el Rostro Fotográfico.

Festival Latitudes

Hasta el 31 del 3 del 1010

La modernidad en el rostro del Fotografiado. Una muestra colectiva con más de 60 fotografías que propone un recorrido por la historia del retrato. Se trata de una selección firmada por autores internacionales como Cartier- Bressón, Tina Modotti, Toni Keeler, Leni Riefenstahl, Alexander Rodchenko, André Kertesz, Yousuf Karsh junto con los españoles Oriol Maspons, Pedro Madueño Palma, Ramón Battles, Catalá-Roca, Ramón Masats, etc, retratando a personajes tan relevantes como André Bretón, Marc Chagall, Josep Pla, Le Corbusie, Albert Camús, Alfred Hitchcok, Winston Churchill, Albert Einstein, Igor Stravinksy, Salvador Dalí, Walter Gropius…

Latitudes

Museo Provincial. Alameda Sundheim, 13 – Huelva

Yasumasa Morimura

Festival Latitudes

Los nuevos caprichos

Hasta el 31 de Marzo

©®Yasumasa Morimura

Yasumasa Morimura (Osaka, Japón, 1951), graduado en 1978 en Bellas Artes y diseño por la Kyoto City University of Art, es uno de los artistas contemporáneos japoneses más conocidos en el mundo, gracias al trabajo realizado en la serie “Historia del Arte” en la que hace una nueva interpretación de obras maestras de la pintura europea, a las que dota de rasgos orientales que, para Pilar González, en su ensayo “el cuerpo como signo”, suponen “una magistral metáfora de su personal ajuste de cuentas con el Occidente colonizador”.

Por su postura crítica con la influencia extranjera en la cultura japonesa, desde los años setenta se integra en el grupo de artistas que usan la técnica del apropiacionismo porque se apropia de obras clásicas para darles una nueva interpretación. Desde mediados de los ochenta tiene en la fotografía a color la base de su actividad creativa, aunque también ha realizado numerosas incursiones en el campo del video, las instalaciones y el teatro.

Con la exposición LOS NUEVOS CAPRICHOS se pueden contemplar en Huelva diez obras que reescriben los escenarios que Francisco de Goya inmortalizó en la serie de grabados de “Los Caprichos” y, como en otras ocasiones, el propio Yasumasa Morimura se convierte en actor de su obra, transformándose en algunos de los personajes que retrata, compartiendo protagonismo delante y detrás de la cámara.

Toda la obra de Yasumasa Morimura pone de manifiesto su constante conflicto por las dualidades y la búsqueda de la propia identidad, analizando las complicadas relaciones entre Oriente y Occidente y su influencia en la cultura, la economía y la política, vista por él como una constante posición de dominio de Occidente sobre Japón, hasta el punto de cuestionar su propia identidad en todos los ámbitos.

LOS NUEVOS CAPRICHOS es una visión crítica y a la vez burlesca de la España que vio un Goya aquí reinventado, utilizado para poner de manifiesto las propias contradicciones del artista, que aporta nuevos matices a unas imágenes de sobra conocidas que con esta nueva interpretación se hacen vulnerables ante la manipulación creativa a la que son sometidas.

Latitudes

Museo Provincial. Alameda Sundheim, 13

21003 . Huelva

Gabriele Basilico, Per Barclay, Malik Sidibe, Zwelethu Mthethwa, Jota Castro,Miguel Río Branco, Alfredo Jaar

Festival Latitudes

8 FOTÓGRAFOS. 4 CONTINENTES

Hasta el 31 de Marzo

La fotografía como lenguaje universal. La imagen como medio de comunicación que no tiene fronteras. La experiencia como escuela abierta al mundo. Todas estas evidencias se hacen patentes en este proyecto que reúne a ocho fotógrafos de Europa, África, América del Sur y Asia que, ajenos a protagonismo individuales deciden aportar una selección de sus mejores imágenes para poner de manifiesto que no hace falta desarrollar una misma temática para hablar la misma lengua.

Gabriele Basilico (Milán 1944), graduado en 1973 por la Facultad de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Milán, tiene el Premio Astroc de Fotografía de Arquitectura y, desde 1978 ha expuesto en decenas de exposiciones, sobre todo de Italia y España.
Su trabajo está muy vinculado a la arquitectura y a la ciudad, con especial dedicación a San Francisco, Milán, Berlín y Beirut.

El noruego Per Barclay (Oslo, 1955), vive y trabaja en Turín y tiene en los conceptos de tensión y dramatismo la base de sus trabajos, en los que utiliza distintos soportes, siempre preocupado por el espacio.

Malik Sidibe (Solota, Mali, 1935) ha conseguido en 2003 el Premio Internacional de Fotografía Hasselblad, de Suecia; en 2007 recibe el León de Oro de la Bienal de Venecia por “Lifetime Achievement”, y en 2009 el Premio PhotoEspaña. Es uno de los creadores más sólidos de África; fotografió la independencia de su país y la vida cotidiana de sus gentes y, a pesar de su prestigio internacional no ha querido abandonar su modesto estudio en la capital Bamako.

Zwelethu Mthethwa (Durban, Sudáfrica, 1960) es otra figura de la fotografía africana. Compagina su actividad creadora con la enseñanza de la fotografía y como investigador asociado en la Michaelis School of Fine Art, de Ciudad del Cabo. Los personajes de sus fotografías son los habitantes de periferia de esta ciudad de los que muestra sus condiciones de vida y la dignidad con que posan ante la cámara.

Jota Castro (Yurimaguas, Perú, 1965) vive en Bruselas y se dedica a la fotografía después de haber sido diplomático durante casi veinte años. Utiliza diversos soportes para crear su obra cargada de crítica para poner de manifiesto las desigualdades e incongruencias que se producen en la sociedad actual. Profesor de la Universidad Europea de Madrid, en 2009 ha sido ganador del Festival Europeo de las Artes Visuales en Hospitalet; Premio Poeta Joven del Perú, en 1983 y Premio Gwandju Bienal de Corea, en 2004.

Miguel Río Branco (Las Palmas de Gran Canaria, 1946) vive y trabaja en Río de Janeiro. Hijo de un diplomático brasileño, compagina la fotografía con el cine y la dirección de fotografía. Es corresponsal de la Agencia Magnum Photos en Latinoamérica; ha recibido numerosos galardones y desde 1965 ha participado en muchas exposiciones individuales y colectivas. Su obra se encuentra en más de veinte colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Alfredo Jaar (Chile, 1956) vive y trabaja en Nueva York desde 1982. Identificado con la vanguardia chilena de final de los setenta, desarrolla su actividad como fotógrafo, cineasta y arquitecto. Con un amplísimo historia de exposiciones en todo el mundo, en 2006 obtiene el Premio a la Mejor trayectoria artística de autor iberoamericano, promovido por el Gobierno Regional de Extremadura; en 1985 obtuvo la Beca Guggenheim; en 1987 la Beca Fundación Louis Comfort Tiffany; Beca Fundación del Pacífico, en 1989 y Beca MacArthur, en el año 2000.

Su obra tiene una gran carga crítica, destacando en ella el llamado Proyecto Ruanda (1994-2000), con el que reflexiona sobre el genocidio ocurrido en este país africano.

El chino Maleonn (Shangai, 1972) es licenciado en Diseño Gráfico por la Universidad de Bellas Artes de Shangai y, aunque durante ocho años fue director de arte y realizador de cine publicitario, actualmente es fotógrafo freelance en su país. En su obra pone de manifiesto la complejidad y el caos del mundo, ofreciendo una mirada alternativa a una realidad que le lleva a crear su propio mundo interior y convertirlo en realidad. Desde 2005 presenta su obra en exposiciones por Asia, Europa y Estados Unidos

La exposición 8 FOTÓGRAFOS. 4 CONTINENTES es una muestra colectiva en la que todos estos autores nos brindan la oportunidad única de contemplar su particular visión del mundo. La experiencia que todos tienen acumulada en la ciencia de la imagen y su prestigio internacional avalan el interés de esta selección de fotografías.

Hotel París Diputación Provincial de Huelva

Plaza de las Monjas, 2

21001 Huelva

Toni Catany

Festival Latitudes

El Tiempo y las cosas 1983 – 2008

Hasta el 27 de Marzo

El mallorquín Toni Catany (Llucmajor, 1942) vive y trabaja en Barcelona desde 1960. Aunque en 1968 publica en el diario La Vanguardia sus primeros reportajes sobre Israel y Egipto, acompañando al escritor Baltasar Porcel, y monta su primera exposición en 1972, no es hasta 1979 cuando se da a conocer internacionalmente con un trabajo fotográfico en el que utiliza la antigua técnica del calotipo, inventada por Talbot.

Su obra ha sido presentada en más de cincuenta exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo. En el año 2001 el Ministerio de Cultura le concede el Premio Nacional de Fotografía y  Gobierno catalán le otorga también el Premio Nacional de Artes Plásticas. Antes, en 1991 es distinguido por el Ministerio de Cultura de Francia como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras (Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres) y, entre otros, obtiene el premio al mejor libro fotográfico con “Natures mortes” en la Primavera Fotográfica de 1988; con “La meva Mediterránea” consigue en 1990 el premio al mejor libro  en Rencontres Internacionales de la Photographie, de Arlés (Francia) y al mejor libro del año de la Generalitat de Cataluña, y en 1997 también recibe el premio de la Generalitat de Cataluña al mejor libro ilustrado por “Toni Catany- Fotografies”, poniendo todos ellos de manifiesto la calidad de una obra gráfica con su producción fotográfica, recopilada en 17 publicaciones entre 1977 y 2007.

Inconformista con los resultados, siempre ha buscado mejorar la calidad de su trabajo, profundizar en la aplicación de la técnica e indagar en las posibilidades temáticas de cada serie de imágenes, y no ha dudado en viajar a numerosos países para captar los miles de instantes que pueden presentarse ante el objetivo de su cámara.

La exposición EL TIEMPO Y LAS COSAS. 1983-2008 es una cuidada selección de casi cuarenta obras con lo más representativo de este creador autodidacta, dedicada monográficamente a los bodegones y naturalezas muertas como temática principal.

El color domina el resultado del proceso del trabajo de Toni Catany, capaz de fusionar la experiencia de viejas técnicas fotográficas con las nuevas posibilidades y recursos de la tecnología digital, sin traicionar la naturalidad, originalidad e inmortalidad de su obra de arte.

Con las fotografías que se exponen en Huelva se comprueba por qué Toni Catany está considerado como uno de los maestros del género del bodegón fotográfico.

Fundación Caja Rural del Sur

Calle Mora Claros, 6

21001 Huelva

Chema Madoz

2000 – 2005

Del 17 de Febrero al 31 de Marzo

©®Chema Madoz

Chema Madoz (Madrid, 1958) está considerado como uno de los fotógrafos más interesantes y creativos de Europa. Se trata de un magnífico traductor de ideas visuales que, gracias a la calidad de su trabajo obtiene en el año 2000 el Premio Nacional de Fotografía, además del Premio Higasikawa, en Japón y el PhotoEspaña, consiguiendo también el Premio Kodak España en 1991.

Desde 1985 ha expuesto sus trabajos en exposiciones individuales y colectivas de Europa, Norteamérica, América Latina y Asia y su obra, distribuida en casi cincuenta colecciones públicas y privadas, ha sido analizada y difundida en numerosas publicaciones.

Chema Madoz no es un fotógrafo  habitual. Desde que en 1980 estudia Historia del Arte en la Complutense de Madrid e inicia sus estudios el en Centro de Enseñanza de la Imagen, no ha dejado de investigar y buscar nuevas formas expresivas con los objetos como herramienta visual y vehículo de expresión gráfica. Su lenguaje es verdaderamente singular. La mera imagen no le basta; necesita crear objetos para avanzar en la creación y captación de imágenes, pero -sin embargo- la tecnología digital y el color le sobran para hacer su trabajo.

La exposición “2000 – 2005” es una retrospectiva que presenta una selección de casi cincuenta imágenes en blanco y negro, realizadas en los primeros cinco años del siglo XXI, que ponen de manifiesto el desarrollo de los conceptos y técnicas en las que Chema Madoz viene trabajando desde principios de los años ochenta.

Mediante una inteligente y delicada manipulación de los objetos, este fotógrafo individualiza y ordena, confronta y manipula, buscando el contrapunto que existe entre la esencia de las cosas y sus significados latentes. Las cosas, los objetos, situados en un nuevo lugar, desnudos del entorno natural donde realizan su función, están ante la cámara emitiendo otras señales diferentes.

Chema Madoz trabaja con las sombras de las cosas y con ello obtiene una coherencia formal que le permite realizar un ejercicio quirúrgico de gran precisión técnica. Funde sus raíces creativas en los movimientos artísticos del primer tercio del siglo XX, en las vanguardias y en los ismos, como el dadaísmo y el surrealismo. Se puede percibir en su obra el eco de Magritte, de Duchamp, o las naturalezas muertas de Man Ray.

Casa Colón Ayuntamiento de Huelva
Sala Iberoamericana
Plaza El Punto S/N
21003 Huelva

Robert Capa

Festival Latitudes

Del 26 de Febrero al 11 de Abril

©®Robert Capa

Endre Ernö Friedmann (Robert Capa) nace en Budapest el 22 de octubre de 1913 y en 1929 mientras estudia periodismo, entra en contacto con los fotógrafos documentales contemporáneos de Hungría, país al que se exilia en 1931, antes de marchar a Berlín donde consigue trabajo como ayudante en la Agencia Dephot, para la que trabajaban algunos de los mejores fotoperiodistas de la época.

En 1933 abandona Alemania cuando Hitler llega al poder, y después de pasar por Viena y Budapest, marcha a París donde conoce a su compañera Gerda Taro, también fotoperiodista, con la que decide cambiar su nombre por el de Robert Capa.

Ambos cubren la Guerra Civil española, donde ella muere aplastada por un tanque en la batalla de Brunete (Madrid). En 1938 viaja a China para fotografiar la resistencia a la invasión japonesa y es considerado por la revista británica Picture Post como el más grande fotógrafo de guerra del mundo. En 1939 viaja a Nueva York y trabaja para la revista Life y, declarada la Segunda Guerra Mundial, es corresponsal-fotógrafo en el frente europeo, donde cubre entre 1941 y 1945 el desembarco de las tropas norteamericanas en la playa Omaha, la liberación de París y la batalla del Bulge.

Tras un breve paréntesis como ayudante de producción en Hollywood, Robert Capa empieza a escribir sus memorias de guerra y en 1947 viaja a la Unión Soviética y funda la Agencia Magnum Photos con Henry Cartier-Bresson, David Seymour, Gerard Rodgers y William Vandivent. En 1948 cubre la Guerra árabe israelí y, después de hacer reportajes de viajes en varios países europeos, con 40 años de edad, marcha en 1954 a la guerra de Indochina donde el 25 de mayo, mientras fotografiaba una misión de rutina, encuentra la muerte en Thai-Binh al pisar una mina vietminh.

Esta exposición RETROSPECTIVA presenta una excepcional selección de casi cien fotografías realizadas entre 1932 y 1954, que ponen de manifiesto el valor documental que la obra de Robert Capa tiene para entender los principales conflictos bélicos del siglo XX y conocer a algunos de sus amigos, protagonistas de la cultura, la política y la vida social de la época, captados por un hombre que quiso ser observador de lo que ocurría a su alrededor y que nunca fue capaz de aceptar los horrores que vivió en cinco guerras, durante las que -según Richard Whelan- buscó la forma de mostrar el triunfo del espíritu humano sobre la más terrible adversidad.

El las imágenes de Robert Capa se busca a ser humano en toda su intensidad; todas están cargadas de sinceridad y humanidad, tienen un protagonista y una emoción que trascienden al tiempo que las convierte en universales.

Latitudes

Museo Provincial Junta de Andalucía salas 2, 3 y 4

Alameda Sundhelm, 13

2100

Robert Doisneau

Festival Latitudes

Les Temps retrouve

Del 22 de Febrero al 31 de Marzo

©®Robert Doisneau

Robert Doisneau (Gentily 14-4-1912 / París 1-4-1994) es uno de los grandes nombres de la historia de la fotografía. La mayor parte de su obra tiene como escenario las calles y los ciudadanos anónimos de París y –según dijo- sus fotos “son como una prueba de que este mundo puede existir”.

Excelente dominador de la sencillez, era capaz de captar toda la intensidad de un instante de la vida de miles de personajes normales que –aparentemente- nada tendrían que decir fuera del objetivo de su cámara.

Aunque, en principio realizó estudios de grabador litográfico, desde que en 1931 empezó a trabajar como ayudante del fotógrafo, escultor y dibujante André Vigneau, descubrió la atracción que sentía por la imagen fotográfica. Entre 1933 y 1939 trabajó como fotógrafo industrial de Renault, antes de ingresar en la nómina de la Agencia Rapho, en la que estuvo casi 50 años, aunque también publicó sus instantáneas en revistas como Vogue entre 1949 y 1953. El trabajo que realizó en 1944 de la liberación de París después de la ocupación nazi está considerado como una de las mejores series fotográficas de la historia. En 1947 recibe el Premio Kodak y en 1956 y 1971 le otorgan el Premio Niepce y, entre otros, el Gran Premio Nacional de Fotografía de Francia en 1983. Entre 1965 y 1971 expone en numerosos museos de Francia, entre ellos, la Biblioteca Nacional de París y hasta su muerte en 1994, su obra se presenta en salas de todo el mundo, publicándose numerosos libros sobre ella y rodándose varias películas sobre su vida, a la vez que editaba sus fotografías en libros, postales y posters.

La exposición LE TEMPS RETROUVÉ trae a Huelva cincuenta imágenes recogidas por Robert Doisneau entre 1934 y 1971, incluyendo entre ellas “El beso” de una pareja ante el Ayuntamiento de París en 1950( “Le baiser de l´Hotel de Ville”), considerada como una de las obras maestras de la fotografía.

Son una excelente selección de lo mejor de casi sesenta años de trabajo, en los que con un espíritu anárquico y ajeno a disciplinas, paseó constantemente con su cámara al hombro por las calles de París y su entorno, captando imágenes robadas a la rutina diaria, contando siempre con la colaboración de sus propios protagonistas.

Con una gran carga de sentido alegre de la vida y buena voluntad, Doisneau ha sido el gran documentalista de París haciendo posible que el humor, la ironía y la ternura surjan incluso en momentos trágicos y de penuria. La calle fue su escuela y de ella supo sacar toda la sabiduría que condensa su obra.

Festival Latitudes

Rectorado Universidad de Huelva

Dr Cantero Cuadrado, 6

21071 Huelva