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El gran fotógrafo Ricard Terré falleció el pasado día 29, hoy me gustaría hacerle un pequeño homeaje en mi blog.
©®Ricard Terre
RICARD TERRÉ:
EL INSTANTE POÉTICO
Algunos autores se quedan tranquilos utilizando el término reportaje para agrupar bajo su denominación el trabajo de todos aquellos fotógrafos que obtienen imágenes de la realidad que discurre azarosamente y produce acontecimientos. Las imágenes constituyen un río de curso paralelo al de la historia, de la que son sus testigos.
Desde este punto de vista, la fotografía, en tanto que sigue el tiempo de la vida, substituye pobremente a la vida; no puede ser tenida como arte.
Pero, ¿de verdad podemos afirmar que en el caso de Ricardo Terré, igual que en el caso de muchos otros fotógrafos, nos encontramos ante una fotografía de reportaje? ¿Es riguroso encuadrar este trabajo fotográfico dentro de un grupo que sugiere en primera instancia información y actualidad? La información del reportaje tiene como finalidad saciar la necesidad de noticias; se trata de un documento objetivo. Su efecto sobre el público es claro: amplía su horizonte de visión, lo hace conocedor, le da alcance, seguridad -no hay nada desconocido para él- y, en consecuencia, poder.
El trabajo que tenemos presente, en cambio, es subjetivo: abre un gran abismo de interpretaciones entre nosotros y la realidad. No informa: inquieta. No cubre un hecho, no ilustra un acontecimiento; propone una ambivalencia del ser, sutil, contradictoria. Toda la novedad que podrían mostrarnos las imágenes, toda su realidad, queda desdibujada bajo el efecto de un instante subjetivo, personal y poético. De esta manera queda registrada en nuestras mentes como algo eterno (exento de tiempo), perteneciente a la humanidad (superando la anécdota). Quizá es por eso que Ricardo Terré en el montaje que hace de sus fotos para la exposición no tenga en cuenta el aspecto “cronológico” al que las exposiciones antológicas nos tienen acostumbrados. El autor no ve pasar el tiempo entre sus fotos. Podemos afirmar que no hay tiempo en sus fotos.
(De todas formas, amainando un poco esta tentación de intemporalidad, -a la que la buena fotografía tiende- es interesante notar el espacio de tiempo que va de unas fotografías a otras, leyendo sus fechas para apreciar la evolución de un estilo de firme coherencia en su respeto por una concepción auténticamente fotográfica, pero flexible en la adaptación de nuevos recursos.)
Su forma de trabajo está más cerca de la creación intuitiva que del oficio que se ejecuta con un método repetitivo. Su material de trabajo no son los acontecimientos que atropellan el sentido de la existencia, sino lo emotivo de las cosas y la belleza que destilan en su quietud y perdurabilidad. Como los poetas, utiliza las imágenes no como representación de la realidad, sino como el símil, la metáfora de otro mundo interior. No un mundo interior exclusivo del fotógrafo -y ahí reside su fuerza- sino en consonancia con el sentido, con el alma que anima la realidad que lo rodea.
Su proceso de trabajo consiste en ser sorprendido por las imágenes (preocupación temática), seleccionarlas después atendiendo a la “redondez” de su forma (preocupación estética), y establecer entre ellas relaciones sutiles que evoquen la fuerza de su sentido primigenio (preocupación dramática).
Nos encontramos pues ante una forma de creación más cercana a la poesía que a la crónica, en la que una imagen no vale más que mil palabras, -como reza el lugar común que casi siempre se aplica a la fotografía- sino que contiene mil sentidos. Cada foto es una propuesta que encadenada a otras forma un poema estructurado, que establece un tiempo propio que no tiene que ver con el tiempo que las produjo. En la obra de Ricardo Terré no hay intención de relato, no hay intención de hacer grandiosa una gesta. Su obra es sencillamente lírica, cada fotografía suya “es una suma de ser sensible en un solo instante”.
Sus instantáneas aislan un momento preciso del ser humano y rompen las cadenas que los ligan a la anécdota. Sus fotos no se pueden concebir como episodios de un reportaje.
A pesar de que los temas escogidos son casi siempre espectaculares -desde el punto de vista existencial, al menos: la muerte, la infancia, el disfraz, etc.- la sutileza en su presentación les da incluso un carácter banal. Casi siempre se sirve de la paráfrasis, huye de la verdad cruda y abierta, busca lo ambiguo. En la simultaneidad de sentimientos consigue el drama, pero éste no se muestra jamás abiertamente, sino a través de una imagen ambigua, esforzadamente ambigua.
Según sus palabras -¡tantas veces le oí decirlo!- la fuerza de la fotografía está en poder mostrar a los demás un acontecimiento irrepetible, que le fue concedido al fotógrafo en la conjunción de un tiempo y un espacio concretos. Cuando Ricardo Terré muestra esas imágenes, su punto de vista es lo que nosotros apreciamos más vivamente, pues fue consciente de ese instante poético a través de su propia persona, y de una forma personal nos lo transmite. En ese punto de vista predomina el sentido del humor que siempre revela una ternura cálida en el tratamiento de los temas, por duros que parezcan. El atrevimiento al tratar algunos temas “delicados” en clave de humor, indica no tanto valentía como ingenuidad. Quizá esta es la característica que más lo retrotrae al periodo en el que comenzó a hacer fotografía, y en el que el lenguaje de la picaresca era el vehículo más seguro para comunicar ideas.
Situémonos frente a una de esas imágenes y dejemos que broten desordenadamente las sensaciones, mientras el tiempo a nuestro alrededor nos demuestra que por ellas no pasa el tiempo.
Laura Terré, doctora en Bellas Artes Universidad de Barcelona.
Barcelona, junio de 1992
©®Ricard Terre
©®Ricard Terre
Biografía (WIKIPEDIA)
Estudió en la Escuela de Altos Estudios Mercantiles de Barcelona.
Comenzó en el mundo del arte como pintor y caricaturista y empezó a practicar la fotografía en el año 1955. En ese momento entró en contacto con miembros de la Agrupación Fotográfica de Cataluña donde coincidiría con Xavier Miserachs y Ramón Masats, con los que expuso por primera vez en 1957 la exposición Terré-Miserachs-Masats (Sougez, Marie-Loup et al., 2007).
Su hija Laura Terré escribe de él “en su primer reportaje sobre una tarde de Jueves Santo se concentran los hallazgos que después le van a hacer meditar los derroteros de su fotografía: la infancia, la muerte, el carnaval… Concibe la coherencia como una fidelidad ciega a una serie. En vez de avanzar en línea recta, separándose del origen (como suele ocurrir en otros autores), su obra se desarrolla en espiral, vuelve y se revuelve, ocupando todo el espacio alrededor del origen, creando una complejidad única de matices.” (VV.AA, 2001)
En 1958 se integra en el grupo AFAL (Agrupación Fotográfica de Almería). Más tarde pasó a formar parte de su comité directivo y participó en sus actividades.
Su trabajo está influenciados por el fotógrafos extranjeros como Robert Frank, William Klein, Henri Cartier-Bresson o Eugène Smith.
En 1960 abandonó la fotografía por un largo periodo de tiempo.
En 1982 volvió a la actividad fotográfica, participando en diferentes exposiciones individuales y colectivas en España y el extranjero.
En 2008 recibe el premio Bartolomé Ros a su trayectoria profesional en PHotoEspaña
Falleció el 29 de octubre de 2009 tras sufrir una larga enfermedad.
PHotoEspaña crea Trasatlántica, un nuevo foro de fotografía y artes visuales en América Latina que tendrá lugar desde noviembre 2009 a enero de 2010 en diferentes países iberoamericanos.
Tendrá lugar de noviembre de 2009 a enero de 2010 PHotoEspaña crea Trasatlántica, un nuevo foro de fotografía y artes visuales en América Latina Serie Redemunho. Copyright João Castilho (Brasil)
PHotoEspaña, junto con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo-AECID, y su red de centros culturales, ampliarán la colaboración iniciada en 2009 en América Latina y desarrollarán un programa de convocatorias abiertas dirigidas a investigadores, críticos, comisarios y fotógrafos.
Visionados de porfolios en Guatemala y Brasil
La primera de las convocatorias está dirigida a fotógrafos latinoamericanos, quienes podrán participar en dos visionados de porfolios de Descubrimientos PHE en Ciudad de Guatemala y São Paulo. El visionado de Guatemala tendrá lugar en el Centro Cultural de España en Guatemala el 6 y 7 de noviembre y el Centro Cultural São Paulo acogerá el visionado el 4 y 5 de diciembre.
Descubrimientos PHE ofrece a fotógrafos latinoamericanos la oportunidad de tener reuniones personalizadas con comisarios de arte y editores de fotografía internacionales. Es también una oportunidad para promocionar su trabajo internacionalmente, algunos de los proyectos presentados serán seleccionados para formar parte de una exposición colectiva que producirá el Instituto Cervantes. La muestra podrá visitarse durante PHE10 en la sede del Instituto Cervantes de Madrid y posteriormente, itinerará a otros centros del Instituto Cervantes del exterior.
Además, los participantes en los visionados de América Latina optarán, junto con los participantes del visionado que tendrá lugar en Madrid, al Premio Descubrimientos PHE Epson. Este premio consiste en la organización de una exposición individual en la siguiente edición de PHotoEspaña en Madrid. La ganadora en 2009 fue Alejandra Laviada, que participó en Descubrimientos PHE México DF.
Certamen de comisariado de exposiciones
Trasatlántica, con el apoyo de la AECID, organiza una actividad dirigida a comisarios de arte: un certamen de comisariado on line. Los participantes crearán un proyecto expositivo on line utilizando como materia de trabajo los porfolios seleccionados para los visionados de Ciudad de Guatemala y São Paulo. Los mejores proyectos se publicarán en una página web y el proyecto ganador se materializará en una exposición que itinerará por la Red de Centros Culturales de la AECID.
Encuentro de críticos e investigadores en México
PHotoEspaña, junto con la AECID, organizará un encuentro entre investigadores, críticos, teóricos y pensadores latinoamericanos que estén desarrollando trabajos de investigación sobre fotografía. El encuentro se celebrará el 13 y 14 de enero de 2010 en el Centro Cultural de España en México y estará abierto al público.
Mediante una convocatoria abierta los interesados pueden presentar ponencias (investigaciones monográficas, ensayos o artículos) que reflexionen desde el ámbito de las artes visuales en torno a un tema propuesto por la organización, que será el mismo que vertebre la programación expositiva de PHotoEspaña 2010. Un comité de expertos formado por Laura González Flores (investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, México DF), Gerardo Mosquera (crítico, curador e historiador de arte independiente, Cuba) y Sérgio Mah (comisario general de PHotoEspaña, Madrid) seleccionará a los autores que formarán las mesas de debate. Las ponencias seleccionadas se publicarán en la web de Trasatlántica y algunas se incluirán en una publicación.
Encuentro de editores gráficos en Madrid
El 29 de enero de 2010, Trasatlántica PHotoEspaña organizará en la Casa de América de Madrid un encuentro con editores gráficos de las principales publicaciones periódicas iberoamericanas.
Exposiciones de fotografía y artes visuales
PHotoEspaña iniciará con Trasatlántica una vía de colaboración con instituciones culturales de América Latina agrupando aquellas exposiciones de fotografía o artes visuales de creadores iberoamericanos. A través de esta iniciativa fomenta el intercambio de experiencias entre instituciones, profesionales del medio y público en general. El programa de exposiciones de Trasatlántica se desarrollará de noviembre de 2009 a enero de 2010 y acogerá 42 exposiciones en 14 países: Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, El Salvador, EE.UU., Guatemala, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela. Los 32 centros participantes en el programa expositivo de Trasatlántica son:
Museos/Instituciones
• Centro Cultural Borges, Buenos Aires (Argentina). Werner Bischof.
• Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina). Mover la roca.
• Centro de Expresiones Contemporáneas CEC, Rosario (Argentina). Inne Martino / Awka Lewn.
• Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil). Lita Cerqueira. A fotografia como Eu Sou.
• Área Cultural del Banco de la República de Bucaramanga (Colombia). Héctor Acebes.
• Área Cultural del Banco de la República de Cúcuta (Colombia). Jorge Silva. El cazador de imágenes.
• Áreas Culturales del Banco de la República de Florencia y Medellín (Colombia). Tomás Carrasquilla. Por cumbres y cañadas.
• ARS TEOR/éTica, San José (Costa Rica). Colectivo Nómadas.
• Fototeca de Cuba, La Habana (Cuba). Yasser Piña. Ejercicio de reposo / Tóxico Cultura. La (otra) maleta mexicana.
• Museo de Arte de El Salvador-MARTE, San Salvador (El Salvador). Otros páramos. Mundo de mujeres.
• Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, Oaxaca de Juárez (México). Manuel Álvarez Bravo. El árbol de nunca acabar y otras / Juan Rulfo en Oaxaca.
• Fototeca del Centro de las Artes, Monterrey N.L. (México).
• Museo de Arte Carrilo Gil, México DF (México). Yoshua Okón. Ventanilla única.
• Centro Cultural de San Marcos, Lima (Perú). Madrid Mirada.
• Centro de la Fotografía, Lima (Perú).
• Centro Municipal de Fotografía, Montevideo (Uruguay). Fernanda Chemale. ElefanteCidadeSerpente / Gerardo Dell’Oro. Imágenes en la memoria / Roberto Fernández. Sobre haiku y fotografía.
• Sala Mendoza, Caracas (Venezuela). Espectáculos del paisaje.
Institutos y centros culturales
• Centro Cultural de España en Córdoba (Argentina).
• Centro Cultural de España en Buenos Aires (Argentina).
• Instituto Cervantes de São Paulo (Brasil).
• CCEMiami – Centro Cultural Español en Miami (EE.UU.). Proyecto Habitar.
• Centro Cultural de España en Guatemala (Guatemala). Post-Natural.
• Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua (Guatemala). Laberinto de miradas.
• Centro Cultural de España en México (México).
• Centro Cultural de España Juan de Salazar, Asunción (Paraguay). Xoan García Huguet. Aguas adornadas: los rostros del río Paraguay.
• Centro Cultural de España en Lima (Perú).
• Centro Cultural de España en Montevideo (Uruguay). Álvaro Zinno. Fotografías mínimas / Frágil: estados líquidos y materias volátiles en la deriva contemporánea
Galerías
• Ernesto Catena Fotografía Contemporánea, Buenos Aires (Argentina). Lorena Fernández. Bosquecito.
• Galeria Vermelho, São Paulo (Brasil). Rosângela Rennó.
• Galería AFA, Santiago de Chile (Chile). Por confirmar
• Galería Casas Riegner, Bototá (Colombia). Juan Antonio & Margarita Monsalve. Vértigo.
• Galería OMR, México DF (México). Jóvenes fotógrafos latinoamericanos.
• Galería Revólver, Lima (Perú).
Trasatlántica PHotoEspaña es posible gracias a:
• Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo-AECID
• Instituto Cervantes
• Casa de América
• Centro Cultural da Espanha em São Paulo
• Centro Cultural de España en Guatemala
• Centro Cultural de España en México
• Empresa Municipal Promoción Madrid
El próximo jueves 5 de noviembre se inaugura en la galería camara oscura la primera exposición individual en España de la fotógrafa finlandesa Nanna Hänninen.
©®nanna hänninen
Podría ser sorprendente denominar paisajes a las obras de Nanna Hänninen (Rovaniemi, 1973) debido a su apariencia minimalista y abstracta. Son fotografías que, en palabras de la propia Nanna, “dibujan los movimientos de mi cuerpo fundiéndose con el paisaje”. De esta manera, la presencia humana se hace explícita y transforma el escenario de forma decisiva, convirtiéndolo en algo abstracto aunque más manejable. La luz y las largas exposiciones configuran un lenguaje con una sintaxis que habla del individuo sumergido en su entorno exterior y de su control o su falta de control sobre él.
“Mis New Landscapes se localizan en famosas ciudades y edificios, fábricas, cementerios, aeropuertos, o torres, lugares de importancia estratégica en los que te encuentras un escenario con una mezcla de luces que, fotografiadas con una exposición larga, se convierten casi en películas cortas”.
Nanna crea partituras musicales puntuadas por el latido de su corazón, sus movimientos y su risa, todas experiencias vitales en un mundo real que amplifica sus sonidos como una caja de percusión. Las fronteras entre lo individual y lo universal se diluyen por medio de un artefacto, la cámara fotográfica, que actúa como una prótesis unificadora del sujeto y el objeto, el yo y el otro. Nanna en definitiva se atreve a desafiar el paradigma de la fotografía y su canónica representación de la realidad.
camara oscura galeria de arte – c/ Alameda, 16, 1º B – 28014 Madrid
Del 28 de octubre al 1 de noviembre
©®Cecilia del Val
ESTAMPA, la Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo, vuelve a Madrid para demostrar que, incluso en tiempos de crisis, el arte sigue siendo una de las mejores opciones para invertir o, al menos, generar estados de ánimo positivos para superar las dificultades.
ESTAMPA acoge este año a cerca de 100 expositores, entre galerías nacionales e internacionales e instituciones que promueven la difusión del arte contemporáneo. Entre las primeras, se cuentan algunas de las más importantes en el campo de la edición, como La Caja Negra, Benveniste, Cámara Oscura, Rita Castellote, Galería Múltiple, Multiplicidad, Factoría Compostela (C5 colección), 3Punts o Photogallery 20, al lado de prestigiosas instituciones públicas y privadas que promueven el conocimiento del arte.
La enorme heterogeneidad de las obras presentadas en ESTAMPA, tanto en lo que se refiere a técnicas, conceptos o soportes, como a precios, que pueden oscilar entre los 300 y los 30.000 euros, con excepciones que pueden superar los 100.000 euros, hacen de este cónclave artístico uno de los más interesantes para satisfacer los gustos de coleccionistas profesionales y de personas que deseen iniciarse en el coleccionismo.
La Feria acogerá una exposición individual de Jesús Pastor (Santurce-Bilbao, 1954), el autor que ha realizado la imagen oficial de esta décimo séptima edición, y que está considerado como uno de los principales artistas españoles que han indagado sobre los límites de la imagen y la naturaleza y función del arte múltiple. Pastor está en posesión del Premio Nacional de Grabado 1997de la Real Academia de Bellas Arte por su labor en la investigación del grabado.
Como principales novedades en la edición de 2009, ESTAMPA dedicará una especial relevancia a la fotografía y el video, mediante la oferta presentada por las propias galerías, y a través de espacios y secciones encaminadas a la promoción de este canal de expresión artística. A este respecto, por primera vez se ha creado el Premio ESTAMPA de Fotografía, que contempla la compra de obra a las galerías del programa general, la producción de obra nueva y el montaje de una exposición individual para el ganador en la próxima edición.
Otro aliciente para galerías y autores es la celebración de la II edición del Premio ESTAMPA-Comunidad de Madrid, que contempla la adquisición de obra, dentro de cualquier técnica de arte múltiple, por parte de esta institución.
ESTAMPA incorpora por primera vez este año un espacio llamado book-IN, en el que se mostrarán los trabajos editoriales más personales y exclusivos de artistas, galerías especializadas, editoras y distribuidoras. Y mantendrá secciones que han demostrado en los últimos años una enorme aceptación por parte del sector profesional y artístico, como STAGE, dedicado a proyectos individuales de artistas que trabajan de forma específica el espacio; video.ES, donde el vídeo, el documental de autor y el cine experimental serán mostrados sin prejuicios, y TENTACIONES, sección convertida en plataforma de difusión de la creación emergente de España, que este año acogerá proyectos de artistas individuales y colectivos que aporten ideas desde el arte al debate público.
Como novedad en TENTACIONES, este año concurren cuatro proyectos ganadores en los premios a la producción de las artes plásticas de la Comunidad de Madrid entre los años 2003 y 2008.
Finalmente, dentro de FRAME, se podrán contemplar exposiciones fruto de las alianzas que mantiene ESTAMPA con institucionales españolas y extranjeras para la difusión de la creación contemporánea, dentro de un estrategia orientada a facilitar el desarrollo de proyectos, la formación especializada y la visibilidad de artistas, colectivos y asociaciones. En la presente edición, la institución invitada es el Yamaguchi Center for Arts and Media [YCAM], de Japón, considerado como uno de los centros de referencia en el mundo por su modelo de funcionamiento y ámbito de experimentación: el media art.
Tras diecisiete años de celebración ininterrumpida, ESTAMPA se ha convertido en la principal plataforma europea de exhibición y promoción del arte múltiple, tanto para galerías especializadas como para instituciones públicas y privadas. Y se ha erigido en un importante catalizador de mercado, que atrae el interés del coleccionismo institucional y privado entorno a una oferta artística que combina piezas clásicas e innovadoras.
IFEMA Madrid
11 de septiembre – 15 noviembre 2009
© Robert Mapplethorpe Foundation.
El CAC Málaga, con el patrocinio de la empresa malagueña HCP Arquitectos Asociados, presenta por primera vez en Andalucía una exposición de Robert Mapplethorpe quien, sin duda, ha sido el artista más transgresor y visionario de la fotografía contemporánea. Las 115 fotografías que componen la selección, tomadas entre 1975 y 1989, representan la esencia misma de este fotógrafo neoyorquino, amante de la perfección técnica e icono de toda una generación que con su cámara supo atrapar como ningún otro los cuerpos desnudos de hombres y mujeres, escenas de agudo carácter sexual o erótico, la homosexualidad o retratos de personalidades del ámbito del arte en el Nueva York del último tercio del siglo XX. Cuando se cumplen 20 años de su fallecimiento (fue uno de los primeros artistas famosos que murió de sida) el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga realiza una obligada revisión a todo un mito que defendió la riqueza estética de la fotografía hasta el último día de su vida.
El CAC Málaga presenta una cuidada selección de fotografías en blanco y negro de la prolífica obra de Robert Mapplethorpe dejando claro, una vez más, su interés por mostrar las tendencias más vanguardistas y los artistas más notables del arte contemporáneo. Las obras de Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946 – Boston, 1989) son vibrantes, fotografías en las que la cuidada conjunción de luz y el predominio del blanco y negro, las dotan de una gran fuerza y las convierten en perdurables en el tiempo 20 años después de que fueran captadas de manera magistral a través del objetivo de su cámara; trabajos rebosantes de belleza que muestran su gran preocupación por la estética y que encumbran a Mapplethorpe como uno de los fotógrafos contemporáneos más notables del mundo.
Su infancia estuvo marcada por una fuerte educación católica, hecho que le llevó a interiorizar los conceptos de culpa y pecado. Estudió en el Pratt Institute de Brooklyn de 1963 a 1970 donde produjo obras inspiradas en diversas disciplinas artísticas. A pesar de que en aquel momento todavía no se había iniciado en la fotografía sí que utilizaba imágenes fotográficas en sus composiciones que extraía de revistas y libros. MappIethorpe comenzó a realizar fotografías con una Polaroid. No se consideraba fotógrafo, pero deseaba utilizar sus propias imágenes en sus obras. Sus primeras Polaroids fueron autorretratos y una serie de retratos realizados a la cantante-artista-poeta Patti Smith, amiga y musa a lo largo de su vida, y cuyas fotografías son un auténtico testimonio de cariño y complicidad.
La obra de Robert Mapplethorpe ha estado marcada por la controversia; sus fotografías de la anatomía humana, las escenas sexuales y las imágenes de personalidades le valieron su reconocimiento como símbolo de la libertad artística y de la libre opción sexual en los locos años de la década de los 70 y los 80. A pesar de todo ello, de lo que no cabe duda es de la gran expresividad que emanan sus obras, nadie como él para convertir paisajes en cuerpos y cuerpos en paisajes. Fotógrafo de estudio, controlaba la técnica hasta la perfección de la imagen, desde su composición hasta la textura, la luz, las posturas de los cuerpos… sus fotografías podían catalogarse como esculturas y rompieron los prejuicios sociales de una época polemizando sobre el sexo, la raza y la religión. A principios de los años 80, la obra de Mapplethorpe evoluciona hacia temas más formales y de belleza clásica. De esta época son sus trabajos con flores y esculturas, así como los retratos a celebridades que no dudaron en posar para un artista que entendía la fotografía de manera honesta y directa, y que se convertiría en todo un referente de la historia de la fotografía de finales del siglo XX. Lisa Lyon, primera campeona del mundo de culturismo en 1980, adoptó para la cámara de Mapplethorpe distintos roles y actitudes, y sus retratos son un exponente claro de este periodo.
Las obras de Robert Mapplethorpe, -en palabras de Fernando Francés, director del CAC Málaga- “son construcciones formales, de una carga expresiva innegable. Resulta sorprendente que tres décadas después de haber sido tomadas, estemos ante imágenes de plena actualidad, el tiempo parece no haber pasado por ellas, clasicismo y modernidad se unen a partes iguales para ofrecernos fotografías que parecen heredar las concepciones formales de los cuerpos del Renacimiento y de las esculturas manieristas en pleno siglo XX. El CAC Málaga vuelve a demostrar su interés por ofrecer a los amantes del arte contemporáneo exposiciones de calidad, donde tiene cabida cualquier tipo de expresión artística con proyección internacional”.
La vida de Robert Mapplethorpe cambió radicalmente en septiembre de 1986 cuando le fue diagnosticado el virus del sida. A partir de ese momento su actividad se volvió incesante, sacaba fotografías a diario; muchos de los trabajos de este periodo son autorretratos, con los que el artista quería captar la decadencia de su enfermedad. El 27 de mayo de 1988, 10 meses antes de su fallecimiento, crea la Robert Mapplethorpe Foundation para favorecer el reconocimiento de la fotografía como disciplina artística, apoyar a los museos que promuevan la exposición de fotografías y alentar y financiar proyectos en la lucha contra el sida.
El 9 de marzo de 1989 fallece en Boston. Para entonces ya había recibido el reconocimiento de público y crítica en exposiciones llevadas a cabo en el Centro Georges Pompidou (Paris, 1983), Institute of Contemporary Arts (Londres, 1983), Whitney Museum of American Art (Nueva York, 1988) o la National Portrait Gallery (Londres, 1988), entre otros museos.
CAC Málaga
Del 23 de octubre 09 hasta el 3 de enero 2010
©®Alexander Rodchenko
Alexander Rodchenko (San Petersburgo, 1891 – Moscú, 1956) fue un creador polifacético que trató con éxito múltiples disciplinas artísticas y qurevolucionó el mundo de la fotografía en medio de un mundo convulso por otra revolución mucho menos plácida, la Revolución Rusa, por la que acabó siendo devorado.
Su gran transformación consistió en algo tan aparentemente sencillo como mover la cámara “desde el ombligo” a los ojos y desde ahí hacerlo alrededor del objeto. Rodchenko fotografiaba de arriba a abajo y viceversa, logrando unos ángulos, unos contrapicados y una perspectiva única, conocida como escorzo.
El resultado: edificios que parecían pirámides, árboles que simulaban chimeneas o escenas que parecían lo que realmente eran, pero que en ningún caso eran el resultado de un plano captado “desde el ombligo”. Provenientes del Musée Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Francia), donde se conservan
las fotografías más representativas del artista, las 125 imágenes de esta muestra, realizadas entre 1920 y 1940, son en su mayoría impresiones de época en blanco y negro y algunas copias realizadas con posterioridad a partir de negativos originales.
“Por su consistencia, la linealidad en la exposición y el conjunto de temas tratados, la muestra refleja con fidelidad el conjunto de temas tratados, la muestra refleja con fidelidad el conjunto de la obra del autor ruso”, tal y como explica Klaus Littman, comisario de la exposición.
Exposición comisariada por Littmann Kulturprojekte. Fondos procedentes del Museo Nicéphore Niép.
Fundación Canal – Mateo Inurria 2 – Madrid
21 de octubre 2009 – 11 de enero 2010
RODCHENKO Abstracción, 1920 POPOVA construcción, 1920
La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.
La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.
Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.
La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.
En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.
Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.
Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5×5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.
La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.
La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film.
Museo de Arte Reina Sofia – Edificio Sabatini, Sala 103
Exposición organizada por:
Patrocinador del catálogo de la exposición:
Primer premio en el I Concurso de Fotografía del festival Extremadura Contemporánea Cruzcampo
Ayer recibí la noticia de que Alejandro del Estal, amigo y mejor fotógrafo, ha ganado el primer premio en el I Concurso de Fotos del festival Extremadura Contemporánea Cruzcampo. Me gustaría felicitarle desde mi blog y mostraros a todos no sólo la obra ganadora sino una muestra de su trabajo. Espero que os guste.
©®Alejandro del Estal. Obra ganadora del Concurso l I Concurso de Fotografía del festival Extremadura Contempopránea Cruzcampo
La fotografía ganadora será utilizada como la imagen oficial para la convocatoria de “contempopranea 2010” en el que cumplen 15 años desde la creación del festival.
Portfolio de Alejandro del Estal:
©®Alejandro del Estal
©®Alejandro del Estal
©®Alejandro del Estal
©®Alejandro del Estal
©®Alejandro del Estal
