Archivos para julio, 2010

julio 1, 2010

José Garrido Lapeña

El  jueves 1 de Julio de 2010 a las 19h30 proyección de fotografías , con la RSFZ y  la Fundación CAI-ASC.

La entrada es libre hasta completar el aforo del salón de actos por lo que os agradeceré la difusión que podáis dar al acto.

FOTO-FORUM: “RE_ Encuentros en Madrid con Photoespaña de fondo”

El día 9 de Junio viajé a Madrid con el objetivo de asistir a los encuentros PHE que con el título “Fotografía española: el estado de la cuestión” se celebran en el Ministerio de Cultura, con presencia de importantes fotógrafos, historiadores, conservadores, …; dirigidos por Alberto Anaut, organizador del festival Photoespaña cuyas exposiciones empiezan el día 9.

Mi intención es, además de los encuentros, intentar visitar todas las exposiciones posibles y pasear y disfrutar Madrid.

Desde el primer momento suceden algunos reencuentros que no dejo de fotografiar, primero fortuitos como el desvío por las curvas de Medinaceli, el remero en el estanque del Retiro y luego algunos buscados como el busto de Valle-Inclán.

Hay acontecimientos interesantes que también fotografío, como la lluvia, el francés vestido de cachirulo, la anónima Universidad Laboral de Zaragoza, la Feria del Libro.

Al final hay un conjunto de experiencias y fotografías que merece la pena contar y enseñar, casi como un cuaderno o diario de viaje, como  entradas en el blog.

José Garrido Lapeña.

josegarridolapenna.blogspot.com

julio 1, 2010

Sigfrido de Guzmán

El día 1 de julio a las 20:00 horas en la sede de la Real Sociedad Fotográfica (calle Tres Peces nº 2 de Madrid), como actividad añadida a la exposición “El taller revelado” del fotógrafo Sigfrido de Guzmán que se está llevando a cabo dentro del Festival PhotoEspaña 2010, se proyectarán una serie de diapositivas originales de este autor, pertenecientes a colecciones privadas que las han adquirido recientemente.

Tanto esta proyección como las fotografías expuestas, son trabajos sobre la España rural de la posguerra, el paisaje, su acercamiento al género del bodegón así como sus escenas naturalistas y cotidianas, en las que reflexiona sobre el paso del tiempo, en su incesante investigación formal , revelando al espectador una destacada  propuesta estética en varios géneros de la fotografía.

junio 30, 2010

Mary Ellen Mark

DE FELLINI A TIM BURTON
40 AÑOS DE FOTOGRAFÍAS DE MARY ELLEN MARK

Del 1 de junio al 15 de julio

Desde 1960 Mary Ellen Mark ha trabajado en más de cien rodajes haciendo lo que los estudios cinematográficos llaman foto fija, algo que ella ha convertido en un apasionante documento de la vida tras los escenarios de los directores y actores más geniales y reconocidos del cine de las últimas décadas.

La Fnac presenta esta exposición con imágenes seleccionadas por Mary Ellen Mark, fotografías que para ella son sus mejores obras en este género.

La muestra recorre desde las primeras películas que fotografió en 1960, como el Satyricon de Federico Fellini, hasta legendarias producciones de los 70 como Apocalypse Now de Francis Ford Coppola o Alguien voló sobre el nido del cuco de Milos Forman.

Actualmente, Mary Ellen Mark continúa trabajando en rodajes y en los últimos años ha fotografiado producciones como Babel, de Alejandro González Iñárritu, y Sweeney Todd, de Tim Burton.

Asimismo, la exposición contiene algunos de sus retratos preferidos de personalidades del cine, actores y directores como Woody Allen, Marlon Brando y Christopher Reeve.

Durante su carrera, a Mary Ellen Mark le ha sido concedido un acceso sin precedentes a los rodajes en los que ha trabajado, deambulando con total libertad entre los actores y directores, fotografiándolos durante el maquillaje, los ensayos, en el lugar de rodaje y fuera de él, para conseguir un retrato completo de la vida fuera de cámara.

Mary Ellen Mark (Filadelfia, EE.UU., 1940) es una de las fotógrafas documentales más prestigiosas y reconocidas internacionalmente, manteniendo una carrera paralela como retratista de producción en la industria del cine. Sus trabajos constituyen un canto a la humanidad en sus más diversas y excéntricas facetas, con temas recurrentes en su obra como la gente del circo, los campamentos gitanos y niños que se comportan como adultos.

A lo largo de su carrera ha recibido un impresionante número de premios y becas, incluyendo tres National Endowment for Art, el premio de fotoperiodismo Robert F. Kennedy, una beca Guggenheim y varios World Press Photo.

Su obra ha sido expuesta internacionalmente en prestigiosas instituciones y sólo ha expuesto en tres ocasiones en España.

En la actualidad vive y trabaja en Nueva York.

Las fotografías de esta muestra han sido seleccionadas por Mary Ellen Mark y las copias expuestas han sido realizadas bajo su supervisión en su estudio de Nueva York con la impresora Canon imagePROGRAF iPF8100.

La muestra recorrerá las siguientes tiendas de Fnac España:

Fnac Donostia
Del 3 de junio al 15 de julio de 2010

A CORUÑA
Fnac A Coruña
Del 1 al 31 de agosto de 2010

VALENCIA
Fnac San Agustín
Del 2 de septiembre al 31 de octubre de 2010

SEVILLA
Fnac Sevilla
Del 3 de noviembre al 15 de diciembre de 2010

FNAC DONOSTIA
Mercado de San Martín
San Sebastián

www.clubcultura.com

junio 29, 2010

SIMONA GHIZZONI

DÍAS EXTRAÑOS

Del 11 de junio al 15 de julio de 2010


“Durante la adolescencia tuve algunas amigas que sufrieron trastornos de la alimentación y una en particular, Chiara, actriz de 25 años, falleció en Bolonia en el verano de 1998. Se escapó de casa y murió de deshidratación porque pesaba 27 kilos y hacía mucho calor. Sigo preguntándome a mí misma cómo es posible, en estos días, en nuestra sociedad de bienestar, en nuestro país civilizado, que permitamos que estas muertes ocurran”.

La trayectoria fotográfica de Simona Ghizzoni (Reggio Emilia, Italia, 1977) gira en torno al reportaje de temática social.

Su serie Días extraños la hizo merecedora del Premio PHotoEspaña – OjodePez de Valores Humanos, certamen de fotografía documental convocado por el Festival Internacional y la prestigiosa revista de fotografía.

El proyecto premiado, del que exponemos una selección de doce imágenes, trata los desórdenes alimentarios y el largo y difícil camino de la recuperación de quienes se ven afectados por ellos. Para su realización, la fotógrafa visitó tres centros públicos italianos de rehabilitación a largo plazo.

“Desde un punto de vista social, los trastornos de la alimentación y la anorexia en particular, como principal causa de muerte entre las chicas de entre 12 y 25 años, se están convirtiendo en uno de los mayores problemas de Italia y de los llamados países del Este. Durante mis dos años de trabajo descubrí que, aunque los trastornos de la alimentación siempre han tenido raíces en los traumas personales, los modelos de belleza impuestos por nuestra sociedad son el refuerzo y la difusión de este tipo de dolencias.”

Perteneciente a la agencia italiana Contrasto, Simona fue galardonada con el premio Nuevo Talento Fnac Italia en 2006 y con el tercer premio World Press Photo 2008 en la categoría de retrato individual. Recientemente ha sido seleccionada como una de los doce fotógrafos que participaron en la 16ª World Press Photo Joop Swart Masterclass. Simona Ghizzoni vive en Roma.

FNAC CALLAO
Preciados, 28. Madrid

junio 28, 2010

HISTORIAS DE CINE

HISTORIAS DE CINE: 2.000 NÚMEROS DE LA REVISTA FOTOGRAMAS

Hasta el 27 de junio de 2010

Fue en 1946 cuando el matrimonio formado por María Fernanda Nadal y Antonio Nadal Rodó fundaron la cabecera más querida por los amantes del séptimo arte, y a día de hoy, siguen con la misma pasión y solera. Fotogramas ha cambiado de periodicidad, de formato, de cabecera, de tipografías, de colaboradores, redactores, jefes de arte, fotógrafos y directores, pero siempre ha evolucionado para adaptarse al cinéfilo del presente.

Para sumarnos a este aniversario, la Fnac Triangle presenta la exposición “Historias de cine. 2.000 números de la revista Fotogramas”, una selección de las portadas más representativas, polémicas y picantes de la mejor revista de cine de este país. La muestra podrá visitarse del 1 al 27 de junio.

FNAC TRIANGLE
Plaza de Catalunya, 4
Barcelona

junio 27, 2010

DE VUELTA

PHE 10Festival OFF

8.06.10 – 31.07.10

Pere Formiguera (Barcelona, 1952)

   © Pere Formiguera

Después de 15 años sin exponer en Madrid, el fotógrafo catalán Pere Formiguera muestra su obra en Blanca Berlín Galería.

La muestra De vuelta contiene fragmentos de los trabajos realizados por Formiguera en los ochenta y los noventa pasados, todos ellos inéditos todavía en Madrid, así como algunas imágenes, como las pertenecientes a la serie “Escenarios de una guerra” (1987) que, en su momento, pudieron ser vistas en las salas de exposiciones de la Comunidad de Madrid.

Aparte de algunas obras de esta serie, Blanca Berlín mostrará también imágenes escogidas de las series “Barcelona, Porta d’aigua” (1989) y “Portrait de famille” (1990).

Sobre el autor

Blanca Berlín Galería tiene el placer de presentar, después de 15 años sin exponer en Madrid, la obra de uno de los más grandes promotores e iniciadores de la fotografía artística en España. “Pere Formiguera, De Vuelta” nos permite retomar parte de la extensa obra fotográfica del autor catalán a través de un recorrido por diversos procesos creativos con los que ha experimentado a lo largo de su carrera (Polaroid, Apropiación, Hibridación, Ficción…) y que nos ayudan a definir una trayectoria muy personal y estrechamente ligada a las concepciones artísticas en las que se inserta su trabajo.

“Pere Formiguera es un artista poliédrico: fotógrafo, historiador, coleccionista y comisario de exposiciones. Es una de las figuras claves para entender la producción fotográfica realizada en España durante las últimas décadas. Pertenece a la primera generación de fotógrafos españoles que adoptó la fotografía como medio artístico. Desde un posicionamiento avanzado, se ha interesado, de forma amplia, por este medio, y a través de la recuperación histórica, de la enseñanza y de las exposiciones, ha luchado por la institucionalización…”

“…Pere Formiguera recurrió a un proceso de hibridación entre la fotografía y la pintura, más como un juego o como una expansión de los límites que para dotarla de aura. Sus intervenciones pintando las fotografías, rayándolas, deformando con un punzón las fotografías positivas obtenidas con una cámara Polaroid, están muy conectadas a su atracción por el expresionismo abstracto, por el surrealismo. Sus fotografías son tanto un homenaje a esta forma de entender la producción artística en la que el gesto tiene un gran valor, como una forma de resituación de su formación de distanciamiento crítico, en el que la ironía y la desacralización fueron ganando terreno. La hibridación la inició con la Polaroid SX-70 y después la aplicó a gran parte de su producción fotográfica de 1980 y principios de la década de 1990 como Escenarios de la Guerra (1987), serie comisionada por la Comunidad Autónoma de Madrid en la que un grupo de fotógrafos nacidos después de la guerra civil tenían que revisitar una serie de espacios militares que habían sobrevivido al duro asedio que sufrió la ciudad de Madrid durante la guerra civil y al paso del tiempo. Dentro de esta fórmula, realizó Porta d´Aigua (1989) y Portrait de Famille (1990)…”.

La apropiación fue otro de los recursos empleados por el fotógrafo en la creación de sus obras: “…Pere Formiguera recurre a los object trouvé culturales seleccionados en archivos para reapropiarse de imágenes del pasado, de fragmentos de la historia…” “…Utilizó la fragmentación, la ampliación, la intervención, pintando sobre su superficie y descontextualizándolas de su función, insertando estas imágenes del pasado y estos fragmentos de la historia dentro de una nueva narración en la que se produce una crítica contra el proceso que juegan las fotografías en la mitificación de los personajes. Les dio un nuevo significado y reinscribió estas fotografías domésticas introduciéndolas en el círculo artístico…

En última instancia, no podemos dejar de vincular el nombre de Pere Formiguera con el de Joan Fontcuberta, “…ambos se posicionaron al lado de la fotografía escenificada muy relacionada con el mundo onírico, con el universo surrealista, sus trabajos evolucionaron hacia la apropiación y la hibridación. Los dos decidieron hacer un trabajo en el que cuestionaron el valor documental de la fotografía y el método científico… Partieron de sus experimentaciones en torno a la ficción, al artificio, de su propia experiencia, de la intuición…”

Nota: los párrafos entrecomillados son extractos del texto de Juan Naranjo perteneciente al libropere formiguera revisions1974-2006”.

www.blancaberlingaleria.com

junio 26, 2010

Gonzalo Torrente Ballester

IMÁGENES REALIZADAS POR EL ESCRITOR

Del 26 de mayo al 12 de julio de 2010


Al revisar los archivos de Gonzalo Torrente Ballester, llama la atención la presencia de abundantes fotografías caseras, entre las que de inmediato empiezan a definirse unas constantes, unos temas, unos intereses, una forma de mirar.

Abundan los recursos pictóricos y literarios, como romper el espacio introduciendo el reflejo complementario de un espejo, o ampliarlo mediante perspectivas que dan idea de recorrido, nunca de espacio único, uniforme.

Lo que en principio parece un divertimento adquiere un sentido renovado al encontrar fotografías protegidas con plástico, tomas con una intención muy precisa (bodegones, autorretratos, guiños irónicos) o algún boceto dibujado de escenarios descritos en sus novelas cuyo origen encontramos en fotografías del escritor, como el que esboza cómo será el atrio de Santa Eulalia de Barallobre, uno de los escenarios de La saga/fuga de J. B., realizado a partir de detalles extraídos de fotografías de la iglesia del monasterio de Armenteira y del cruceiro de las Cinco Calles, en Pontevedra.

Tal vez estas fotografías señalen lo que la lectura de las obras de Gonzalo Torrente Ballester anuncia: estamos ante un escritor en extremo visual, que recrea imágenes y juega con ellas como lo hace con el lenguaje oral y escrito.

Lo decía el propio escritor: “Hay muchas cosas que veo con toda claridad, y al decir veo, quiero decir exactamente eso: veo, porque cierro los ojos y las veo”.

Miguel Fernández-Cid
Comisarios de la exposición: Miguel Fernández-Cid / Carmen Becerra

Gonzalo Torrente Ballester (Ferrol, A Coruña, 1910 – Salamanca, 1999). Profesor, periodista, crítico, dramaturgo y novelista, es uno de los más notables escritores españoles del siglo XX.   Entre su extensa obra destacan la trilogía Los gozos y las sombras (1957-1962), Don Juan (1963), Off-Side (1968), La saga/fuga de J. B. (Premio de la Crítica 1972), Fragmentos de Apocalipsis (Premio de la Crítica 1977), La Isla de los Jacintos Cortados (Premio Nacional de Literatura 1981), Filomeno, a mi pesar (Premio Planeta 1988) y Crónica del rey pasmado (1989). Miembro de la Real Academia Española desde 1975, recibió también, entre otros muchos, el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1982 y fue el primer novelista español galardonado con el Premio Miguel de Cervantes, en 1985.

FNAC L´ILLA
Avda. Diagonal, 549
Barcelona

junio 25, 2010

Premios PHotoEspaña 2010

La entrega de premios tendrá lugar esta noche a las 20.00h. en las Naves del Español de Matadero Madrid

Graciela Iturbide y Chema Conesa obtienen los máximos galardones de los Premios PHotoEspaña 2010


Graciela Iturbide. Copyright Joel Aguilar

PHotoEspaña ha hecho públicos en rueda de prensa los nombres de los ganadores de los Premios PHotoEspaña 2010. La directora de PHotoEspaña, Claude Bussac, ha anunciado los galardones en el ambigú de las Naves del Español de Matadero Madrid, contando con la presencia de Dña. Cristina Conde, directora de Proyectos Culturales del Ayuntamiento de Madrid, así como de gran parte de los premiados y patrocinadores de los galardones, entre los que se encontraban Graciela Iturbide, Chema Conesa, Vanessa Winship, Giuseppe Moccia y Carlos Irijalba.

El Premio PHotoEspaña Baume & Mercier 2010 ha correspondido a la fotógrafa Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942). La fotógrafa recibe este galardón como reconocimiento a sus más de 40 años de trayectoria profesional, en los que se ha erigido como una figura fundamental de la fotografía contemporánea. Sus imágenes, plenas de belleza y potencia, han plasmado  gentes y lugares de todo el mundo a los que ha accedido de forma cercana a la antropología y siempre desde el respeto. Iturbide, mediante herramientas como la paciencia y la invisibilidad nos revela realidades asombrosas que trascienden las fronteras de su país natal.

El premio, dotado con 12.000 € en compra de obra, un trofeo diseñado en exclusiva por Eduardo Arroyo y un reloj de la firma Baume & Mercier, ha sido concedido con anterioridad a los fotógrafos Malick Sidibé, Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González Palma y Josef Koudelka en reconocimiento a su importante papel en el medio fotográfico internacional.

Graciela Iturbide ha declarado sentirse muy emocionada y afirmó que el Premio “es un incentivo para seguir trabajando”.

El Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria española en fotografía, dotado con 12.000 €, ha sido concedido a Chema Conesa. El jurado, formado por Rosa Ros, responsable del legado de Bartolomé Ros; Isabel Muñoz, fotógrafa y Premio Bartolomé Ros en 2009; Rafael Levenfeld, comisario de exposiciones; Pilar Citoler, coleccionista y miembro del patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; y Alberto Anaut, presidente de PHotoEspaña, ha querido reconocer con este premio su obra fotográfica, con especial incidencia en el retrato; por la dirección de la biblioteca PHotoBolsillo y por su trabajo como editor gráfico, tanto en prensa como en el mundo editorial.

El galardón, otorgado por el legado de Bartolomé Ros, está dotado con 12.000 € y reconoce la aportación de una personalidad española al desarrollo de la fotografía en cualquiera de sus campos, ya sea como comisario, autor, historiador, crítico o a través de cualquier otro vínculo directo con el medio. En otras ediciones han resultado premiados Isabel Muñoz, Ricard Terré, Javier Vallhonrat, Marta Gili, Alejandro Castellote, la librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.

Chema Conesa ha declarado sentirse privilegiado por poder vivir de la fotografía y  ha agradecido la concesión del premio ya que no imaginaba que su nombre pudiese estar entre los candidatos.

La ganadora del Premio Descubrimientos PHE Brugal Extra Viejo al mejor porfolio del Festival ha sido la fotógrafa Vanessa Winship (Reino Unido, 1960) por el trabajo Dulce nada. El porfolio recoge imágenes de escolares cuyos uniformes, con lazos y bordados muestran los símbolos del estado turco. En esta serie de retratos Winship ha plasmado la simbología de los uniformes, la distancia, la repetición y la austeridad del paisaje así como las expresiones de las muchachas que son retratadas el momento “justo antes”, un momento de posibilidad, un tiempo donde la representación de uno mismo, se acerca poco a poco hacia una toma de conciencia.

El jurado del Premio Descubrimientos PHE Brugal Extra Viejo ha estado compuesto por Francisco Carpio, crítico y comisario independiente; Brett Rogers, directora, The Photographer´s Gallery, Londres; y Markus Hartmann, director de publicaciones internacionales de Hatje Cantz, Ostfildern. El Premio permitirá a Vanessa Winship exponer su trabajo individualmente en PHotoEspaña 2011. En anteriores ediciones han sido premiados Alejandra Laviada, Yann Gross, Harri Palviränta, Stanislas Guigui, Vesselina Nikolaeva, Comenius Röthlisberger, Pedro Álvarez, Tanit Plana, Sophie Dubosc, Juan de la Cruz Megías, Paula Luttringer y Matías Costa.

Vanessa Winship ha agradecido a PHotoEspaña y a Brugal Extra Viejo el apoyo que brindan a los jóvenes fotógrafos y afirmó que “es un gran placer que mi obra pueda ser vista por tanta gente”.

La galería Casado Santapau ha ganado el Premio Festival Off Saab por la exposición de Boris Mikhailov, Yesterday’s Sandwich 1969-1970. El premio, dotado con 6.000 € en compra de obra, es concedido a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2010. El jurado ha estado formado por Cristina Ros, Directora del Museu Es Baluard. Museu d´art modern i contemporani, Palma de Mallorca; Miguel Ángel García, crítico y periodista; y Teresa Millet, conservadora del IVAM-Institut Valencià d’Art Modern.

Yesterday’s sandwich 1969/70 descubre un mundo extraordinario que relaciona la Unión Soviética con el sexo y la belleza. Las imágenes nacen de las restricciones artísticas impuestas durante la época comunista. El trabajo muestra el papel de Boris Mikhailov (Charkov, Ucrania, 1938) como artista, fotógrafo documental y observador social que muestra su rica imaginación y soluciones prácticas para la supervivencia en una sociedad inestable.

Damián Casado, director de la galería Casado Santapau, ha agradecido el premio que recoge “con gran ilusión, ya que se trata de una exposición complicada debido a la edad del autor y que muestra obras nunca antes vistas en España, escogidas personalmente por Boris Mikhailov”.

El Premio del Público Elmundo.es, que conceden los internautas de www.phe.es y www.elmundo.es a la mejor muestra de la Sección Oficial, es para la exposición Entretiempos. Instantes, intervalos, duraciones, organizada por la Fundación Banco Santander y PHotoEspaña y coproducida por la Fundación Banco Santander, Museo d’Arte Provincia di Nuoro, Centro de Arte La Regenta / Gobierno de Canarias, PHotoEspaña / La Fábrica con la colaboración del Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid. La muestra, comisariada por Sérgio Mah puede verse en el Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte / Fundación Banco Santander hasta el 25 de julio. Reúne más de 200 obras entre fotografías, vídeo instalaciones y películas en las que, a partir de diferentes perspectivas y métodos, 17 artistas exploran la experiencia del tiempo. El conjunto de la exposición compone un escaparate de prácticas visuales que representan la paradoja entre inmovilidad y movilidad, trabajos que se basan en secuencias o imágenes con un fuerte sentido narrativo, obras centradas en la experiencia de la memoria que recrean acontecimientos del pasado o imágenes que exploran los efectos de la duración y acumulación del tiempo.

El Premio al mejor libro de fotografía del año convoca a editores independientes y editoriales a presentar sus libros de fotografía publicados en el último año. Los libros finalistas de este certamen están expuestos en Matadero Madrid, hasta el 25 de julio. Un jurado compuesto por Juan Manuel Bonet, crítico de arte; Pep Carrió, fotógrafo; Wim van Sinderen, comisario del Museo de Fotografía de La Haya; Miguel López, director de la Fundación Antonio Saura. Casa Zavala; y Alberto Corazón, diseñador; han reconocido como Mejor libro de fotografía del año en categoría nacional a Soviet Aviation de Alexánder Ródchenko y Varvara Stepánova, de la editorial Lampreave. Asimismo, se ha concedido una mención de honor a Tempelhof, de Begoña Zubero, editado por Exit Publicaciones.

El libro Soviet Aviation, fue diseñado en 1939 para el pabellón de la URSS en la Feria Mundial de Nueva York, mientras se iniciaba la II Guerra Mundial, y no ha vuelto a editarse hasta ahora. Un poético libro de historia, capaz de presentar el avión como nunca más ha podido hacerse después, como una maravillosa máquina de progreso y que reproduce la edición original y sus particularidades técnicas en tamaño y acabados. El volumen contiene textos ilustrados de Alexander Lavrentiev, nieto de los autores, y de Ángel González García.

El editor de Lampreave, Ricardo Fernández, ha declarado sentirse muy orgulloso “por recibir el premio por parte de un jurado tan importante, algo que honra a una editorial pequeña como la nuestra”.

El Premio al Mejor Libro de Fotografía del Año en categoría internacional ha sido otorgado a Atlas Monographs: Max Pam, editado por T&G Publishing, Australia. Atlas Monographs es un resumen de ocho diarios de viaje que comienza con el trabajo más reciente del artista australiano Max Pam (Karakoram, 2006) y viaja en el tiempo desplazándose hacia sus primeros diarios, en 1970. A través de textos y fotografías plasma su compromiso con las culturas que conocido y nos permite ver las claves de su desarrollo como fotógrafo, escritor y artista. En muchos sentidos, esta publicación es su propio diario de viaje y ofrece un retrato íntimo, emocional y lírico del artista así como de las personas y lugares que ha conocido.

El jurado ha concedido menciones especiales a Lillian Bassman & Paul Himmel, editado por Kehrer Verlag, Alemania; y Portfolio, de Robert Frank y Past Imperfect de Deborah Turbeville, ambos editados por Steidl, Alemania.

El Premio a la Editorial destacada del año ha sido otorgado a Aperture Foundation en reconocimiento por las publicaciones Kamiatachi, de Eikoh Hosoe; Japanese Photobooks of the 60′s and 70′s, de Ivan Vartanian y Ryuichi Kaneko; Sally Mann: Proud Flesh, de Sally Mann (coeditado junto a Gagosian Gallery); y Summer Nights, Walking, de Robert Adams (coeditado junto a Yale University Art Gallery).

El Premio Revelación Room Mate Hotels ha sido otorgado al artista Carlos Irijalba como reconocimiento su obra, por los procesos perfomativos que realiza antes del disparo fotográfico y por el resultado contundente de sus imágenes. El jurado del premio estaba formado por Enrique Sarasola, Presidente de Room Mate Hotels; Joaquín Ivars, Director del Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid; y Carlos Sanva, fotógrafo y ganador del Premio Revelación Room Mate Hotels en 2009. El premio, dotado con 6.000 € en compra de obra, reconoce el trabajo de un artista español menor de 35 años cuya obra o publicación haya destacado durante el último año. Anteriormente han obtenido este galardón Carlos Sanva, Germán Gómez, NOPHOTO, Bleda y Rosa, Joan Morey, Lucía Arjona, Paco Gómez, Carmela García, Isabel Flores, David Jiménez y Xavier Rivas.

Carlos Irijalba ha agradecido el premio y ha hecho hincapié en la importante ayuda que el galardón aporta para la producción de obra, que tan difícil resulta en estos momentos.

Por último, PHotoEspaña y la revista OjodePez han otorgado el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, que se concede a trabajos fotográficos que destaquen valores como la solidaridad, el esfuerzo, la ética o la justicia. El premio, dotado con 6.000 €, una exposición individual y la publicación íntegra de la serie en el número de otoño de OjodePez corresponde al fotógrafo Giuseppe Moccia por su porfolio El chico de los miércoles, un trabajo que aborda la vida de Christopher, un joven de 18 años con síndrome de Down. Esta circunstancia lo posiciona entre dos realidades, ya que por un lado puede comunicarse efectivamente, pero por otro lado no tiene las habilidades para vivir independiente dentro de la sociedad.

El jurado del premio, formado por Alejandro Castellanos, director del Centro de la Imagen de México DF; Dewi Lewis, director de Dewi Lewis Publishing; Karol Hordziej, comisaria de Photomonth, Cracovia; y Arianna Rinaldo, directora de OjodePez considera que la serie muestra una gran complicidad con Christopher así como una intensa cercanía. La serie habla de inclusión social, no enfatiza lo negativo, ni falsifica lo positivo de la situación de Christopher. La anterior ganadora del Premio ha sido Simona Ghizzoni por el porfolio Días Extraños.

Giuseppe Moccia ha manifestado su agradecimiento a la organización y ha dedicado su premio a Christopher, el protagonista de su serie así como a su familia. También manifestó su interés por seguir trabajando y documentando su vida.

El acto de entrega de los Premios PHotoEspaña 2010 tendrá lugar esta noche a las 20.00h. en las Naves del Español de Matadero Madrid en una ceremonia conducida por Antonio Muñoz de Mesa.

junio 24, 2010

Tertulia Argéntea

A todos aquellos interesados en la fotografía “analógica”, el próximo sábado día 26, a las 11:00 horas, y tras el éxito de la primera, va a tener lugar la 2ª Tertulia Argéntea. El tema propuesto es “Combinaciones Personales Película/Revelador”

En torno a un grupo cada vez mayor de entusiastas de la fotografia química en Madrid, surgió la idea de organizar una tertulia  enfocada exclusivamente a la técnica argéntea y en general a todo lo relacionado a disparar con film.

Esta tertulia estará moderada por Rubén Morales y Ricardo Garrido , aunque el tema será libre por tratarse de la primera, que servirá de presentación y de propuesta para sucesivas convocatorias, en las que a buen seguro se trataran, en un futuro,  aspectos tanto técnicos y didácticos como charlas con fotógrafos argénteos consagrados, visionado de porfolios, proyecciones, información argéntea en la red, invitación a personas del negocio fotográfico para que trasmitan la realidad de las ventas de material sensible e incluso la posibilidad de un viaje organizado a la factoría Ilford Harman en Gran Bretaña, en su próxima jornada de puertas abiertas de este verano.

junio 23, 2010

Harold Edgerton

Harold Edgerton: maestro de la fotografía en movimiento

El profesor de ingeniería electrónica Harold Edgerton se consideraba más un científico que un artista. Combinando el proceso del estroboscopio con el flash fotográfico, consiguió fotografiar todo el recorrido de un movimiento que a simple vista el ojo no puede descomponer.

La exposición, patrocinada por la Fundación BBVA, recoge conocidas imágenes capturadas con esta tecnología como la Salpicadura de una gota de leche. Sérgio Mah y José Gómez Isla son los comisarios la exposición Anatomía del movimiento. Harold Edgerton. PHE.es habló con José Gómez Isla para conocer más acerca de este artista y de la exposición que se puede ver en BBVA/ Sala de exposiciones de Azca.

La colección “Fondo Fotográfico Universidad de N avarra” nace en 1998. Tras presentar una antológica de José Ortiz Echagüe, fueron comisionados para dirigir la ampliación de la colección Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat. La colección se organiza a partir de una concepción de la fotografía como documento de la realidad, con la única condición de que las fotografías refieran iconográficamente al ámbito español. PHE.es habló con Rafael Levenfeld sobre la exposición que se puede ver en el Museo de la ciudad.

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