Miradas en torno a la colección permanente: Aitor Ortiz.

Del 13 de septiembre 2011 al 13 de noviembre 2011

©®Aitor Ortiz

En 2008 el Museo Guggenheim Bilbao adquirió Muros de luz 011 (2005), una obra dentro de la serie Muros de luz realizada por Aitor Ortiz en la cantera de Marquina, Vizcaya. Como él comenta, un lugar sobrecogedor donde plasmar la problemática del muro y su inestabilidad visual. “..sobre el muro imponente de piedra se abre un espacio de intimidad, una suave luz que ilumina el interior y se proyecta sobre el exterior como invitación al refugio: un hueco iluminado”.

Este otoño, dentro del ciclo Laboratorios. Miradas en torno a la colección permanente, el Museo Guggenheim Bilbao nos brinda la oportunidad de adentrarnos en el proceso creativo de Aitor Ortiz, de evidenciar su compromiso con la calidad y el rigor de la obra y de su desarrollo. La muestra está compuesta por:
A. Obra final: Obras de diferentes series y épocas.
B. Diferente material audiovisual como elemento de conceptualización y presentación del autor y su obra.
C. Publicaciones: La edición de los trabajos concebida como piezas en sí mismas y como parte del proceso de creación.
Monografía Aitor Ortiz de Hatje Cantz*.
La prestigiosa editorial de arte alemana Hatje Cantz, se ha interesado por Aitor Ortiz y este otoño, coincidiendo con la exposición Laboratorios. Miradas en torno a la colección permanente del Museo Guggenheim Bilbao, presentará una monografía sobre el artista.

Aitor Ortiz es un reconocimiento a su trayectoria, un recorrido por las diferentes etapas a través de imágenes de las distintas series: DESTRUCTURAS – MODULAR- MUROS DE LUZ – AMORFOSIS – ESPACIO
LATENTE – MILLAU.

Aitor Ortiz es una edición bilingüe, español e inglés, con prólogo del arquitecto británico Norman Foster y textos de Francisco Javier San Martín, doctor en Historia del Arte, crítico y comisario de exposiciones y Michelle Marie Roy, conservadora jefe del FOTOGRAFISKA, Museo Sueco de Fotografía.

* Hatje Cantz es una de las editoriales más importantes dentro del mercado internacional de libros de arte presentando cuidadas ediciones en torno a la obra individual de escogidos artistas dentro del mundo del arte, la fotografía y la arquitectura.

“ Creo que desde mis primeros trabajos ha habido una preocupación por explorar las derivaciones y limitaciones del proceso de construcción de la imagen, desde la toma original hasta su representación final y un interés porque la fotografía abandone el plano de la representación bidimensional y sea capaz de mostrar nuevas experiencias y explorar la capacidad de la propia imagen como generadora de espacios, tanto físicos como mentales, por
eso en mis exposiciones es tan importante el estudio previo y la adecuación de la obra al espacio, ya que se genera un diálogo de relaciones y referencias propias de la disciplina fotográfica (enfoque-desenfoque, escala, punto de vista, contraste, etc.) unidas a la experiencia física del lugar que ocupan, de la arquitectura para la arquitectura…”.

Aitor Ortiz

Aitor Ortiz, Bilbao 1971, es un artista en el ámbito de la fotografía vinculado al mundo de la arquitectura yla escultura. A través de un proceso meditado y riguroso Aitor Ortiz se atreve a explorar lugares cotidianos para convertirlos en algo diferente buscando ángulos inéditos. Su interés se centra en la vocación evocadora de la fotografía, crea espacios entorno a una fotografía. Aitor Ortiz ha recibido diferentes premios entre los que destaca el Premio de Artes Plásticas “Ciudad de Palma” (2006); Premio ABC de Fotografía (2002) y el Gran premio de honor de la Bienal de arte de
Alejandría (2001), entre otros y expuesto su obra en museos, galerías y ferias de arte de todo el mundo. Su obra se encuentra en diferentes colecciones destacando:

MNCARS. Museo Nacional de Arte Reina Sofía. Madrid.
FCOFF: Fundación Centro Ordóñez Falc ón de Fotografía. Museo Guggenheim Bilbao.
IVAM. Instituto Valenciano de Arte Moderno.
Fundación Telefónica. Madrid.
Colección de Arte Contemporáneo Fundación “La Caixa”.
Museo Patio Herreriano de Valladolid.
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo. Vitoria.

Exposición Museo Guggenheim Bilbao. Laboratorios.

El proyecto del célebre fotógrafo de moda verá la luz en 2012

Eugenio Recuenco invita a los ganadores de Fotoactitudes a colaborar en exclusiva en la producción de su próximo proyecto “365″

Partiendo de las caricaturas políticas de principios del siglo XX, Recuenco (Chanel, Loewe, etc.) hace un guiño a la coyuntura actual a través de 365 fotografías en un mismo espacio que se transforma mínimamente, asociadas a cada día del año

Los ganadores de Fotoactitudeshan sido los ayudantes de Recuenco en la sesión del próximo martes 26 de julio

Marta Ceniceros (Zaragoza), Raúl Rosillo (Cádiz), Rebeca Saray Gude (Madrid), Pedro Salvador (Toledo), Gabriel Solera (Madrid) y Roberto Corralo (Madrid) han sido seleccionados por el propio Recuenco entre los cerca de 400 fotógrafos que se han presentado con más de 2000 imágenes

Los participantes respondieron al reto que lanzó Recuenco a través del concurso online Fotoactitudes, convocado por  Keep Walking Proyect PHOTO de Johnnie Walker y Notodo.com, el proyecto cultural online de La Fábrica

Gervasio Sánchez, Navia y Chema Madoz también participan en esta iniciativa que ya ha sido visitada por 300.000 usuarios únicos y que ha recibido hasta el momento cerca de 1000 participantes y casi 5000 fotografías a concurso

La sesión con Eugenio Recuenco tuvo lugar elpasado 26 de julio a partir de las 13h en el Estudio Light Freezer. C/ Las Musas, 16 (Madrid)

Imagina el mar. Proyecto Imagina.

Fondos del Centro Andaluz de la Fotografía

01/06/2011 – 30/09/2011

©Manuel Falces, Las ciudades, Almería, 1991.

El Centro Andaluz de la Fotografía continúa con la línea exposiitva iniciada en 2010 basada en la valiosa colección Imagina y agrupada por temáticas. En esta ocasión reúne hasta el próximo 30 de septiembre fotografías de ocho de sus autores,que muestran el mar captado en distintos lugares de la provincia. El visitante podrá contemplar las diferentes visiones de fotógrafos como Toni Catany, Manuel Falces, Jordi Guillumet, douglas Keats, Ouka Leele, Max Pam, Krzysztof Pruszkowski y jorge Rueda.

El objetivo del CAF ha sido reunir las obras de estos autores, que ofrecen tratamientos muy diferentes entre sí, aunque unidas por la intención de ofrecer su visión de nuestra tierra. Con esta línea expositiva y, tras mostrar íntegramente la colección Imagina por autoes desde el año 2000 hasta 2009, ahora el Centro Andaluz de la Fotografía las agrupoa por temáticas, convirtiéndolas en propuestas colectivas. Además de tratarse de la primera y más valiosa colección del Centro, la relevancia artística de los autores, la calidad de las imágenes y su carácter mediterráneo avalan esta nueva línea de trabajo.

Conjunto Monumental La Alcazaba de Almería.

Franco Fontana. La luz del paisaje

06 Sep – 06 Nov 2011

©Franco Fontana

Franco Fontana, fotógrafo italiano, nacido en Módena en el año 1933, célebre por sus fotos con intensos colores saturados sobre desnudos y paisajes que tienden hacia formas abstractas (abstracción fotográfica).

Su fotografía de paisaje, urbana o rural, se centra en la reducción a dos planos de las composiciones captadas por su cámara, por medio de la manipulación del color, brillante e intenso, y una composición rigurosa y moderada que marca el contraste, encontrándonos un trabajo de abstracción artística.

Fontana, autodidacta, libera de detalles inútiles las formas mas simples, las zonas de color mas uniformes, para desembocar en una imagen mantenida en una justa armonía mediante pocas líneas y pocos tonos. Es el triunfo del trabajo sobre la forma a través de la forma.

Por ello, en su paisaje, Fontana forma una serie de bandas sencillas y abstractas de tono y color, la luz aplana la imagen ocultando así la textura y el modelado, la escena parece desarrollarse en un solo plana. Solo la cambiante estructura granular del suelo da una idea de la distancia y el tamaño.

IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno. Generalitat.

Carlos Pérez Siquier

08/07/2011 – 11/09/2011

©Carlos Pérez Siquier

En homenaje a la larga y significativa trayectoria de este autor, considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España y Premio Nacional de Fotografía en 2003, la muestra está dedicada también al Parque Natural Cabo de Gata-Níjar con motivo del vigésimo aniversario de su declaración. El Centro Andaluz de la Fotografía reúne su obra más característica sobre este enclave natural en imágenes de gran formato, donde no faltan los colores puros y mediterráneos que le identifican.
Cincuenta años y cincuenta imágenes recogen todos los rincones de Cabo de Gata y se exhiben en una sola exposición hasta el 11 de septiembre.

Además de las fotografías, poetas que han recorrido este paraje plasman su visión en setenta y nueve poemas, en su mayoría inéditos, realizados para la ocasión, donde se incluyen las voces más destacadas de la lírica española, entre ellos, Rafael Alberti, Gerardo Diego, José Ángel Valente y Villaespesa. Imágenes y poemas se unen en una gran publicación del mismo nombre.

Biografía

Es considerado uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España y cofundador a finales de los años 50 de AFAL (Agrupación Fotográfica Almeriense) y de la revista del mismo nombre, que sentó las bases de la nueva fotografía documental en nuestro país y aglutinó a una generación de excelentes fotógrafos como Masats, Terré, Cualladó, Ontañón, Miserachs, Paco Gómez, Schommer o Maspons. Traspasó fronteras y llevó la fotografía andaluza y española a Europa y otros países del mundo.En esa fecha realizó también su primera serie fotográfica en el barrio almeriense de La Chanca, un documento humanista que retrata gente sencilla de la calle de forma espontánea y que se convirtió en un punto de inflexión en la fotografía española. En sus obras posteriores la estética cambió y sus imágenes, ya en color, no buscan al individuo, sino fragmentos o detalles con una ironía y una construcción interna en la que prima el estilo pop. Su trabajo es un alegato subjetivo, muy moderno y personal, de sus vivencias y paisajes cotidianos.Tiene obra en las colecciones permanentes del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de las fundaciones Telefónica, La Caixa y Foto Colectania, y de las colecciones Cualladó y Ordóñez-Falcó, así como en el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, Centro Andaluz de la Fotografía, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y la Real Academia de Bellas Artes de Granada. Representando a la fotografía española, ha participado en varias ediciones de Arco, Feria Internacional de Arte Contemporáneo. En 2003 recibió el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro de Andalucía, institución que lo premió además en 2005 con el Premio Pablo Ruiz Picasso de Artes Plásticas.

Sus fotografías han ocupado salas en Bélgica, Francia, Alemania o Estados Unidos. La galería Hasted Hunt de Nueva York ha sido uno de los últimos lugares donde este maestro ha expuesto la colección realizada en Almería Colour before Colour, comisariada por Martin Parr, con motivo del 60 aniversario de la legendaria agencia de fotógrafos MAGNUM. La primavera pasada repitió en la misma ciudad con otra colectiva de fotógrafos internacionales, titulada Good Life. Sus trabajos han sido publicados en la prensa de todo el mundo, destacando especialmente el diario The New York Times.

En el último año ha participado en varias exposiciones ubicadas en diversos puntos de la geografía española, como por ejemplo El archivo universal. La condición del documento y la utopía fotográfica moderna, en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Barcelona. Actualmente está trabajando en nuevos proyectos, uno de ellos dirigido por el Ministerio de Cultura que itinerará por toda Europa la obra de los premios nacionales de fotografía.

Centro de Exposiciones de Benalmádena.
Avda. Antonio Machado, 33. 29630-Benalmádena. Málaga.

Estilo indirecto

Comisario: Martí Perán

En el análisis de la experiencia contemporánea se constata una evidencia: la dificultad de pensar el futuro. Así como la modernidad se caracterizó por su prolífica construcción de promesas, hoy no hay más que un presente que siempre reduce nuestras expectativas para mañana. Este síntoma epocal responde a una compleja red de elementos: el fracaso de las utopías de masa, el hedonismo promovido por el consumo, la extensión de la cultura del miedo, la generalización de la precariedad que impide concebir la vida como proyecto,…Junto a estas dificultades, el espectáculo tardo capitalista sólo nos ofrece del futuro una colección cinematográfica de ficciones apocalípticas.

 En esta tesitura, durante los últimos años hemos asistido a una apelación constante a la memoria. La consigna ha consistido en intentar rescatar del pasado aquellos relatos susceptibles de ser actualizados o, incluso, lanzados hacía adelante. La urgencia por alimentar nuestro imaginario de futuros posibles ha acelerado este giro historiográfico en busca de posibilidades no cumplidas. Sin embargo, en este giro hacia atrás, el pasado también ha puesto al descubierto sus flaquezas e ingenuidades, haciendo imposible una simple rehabilitación de sus proyectos pendientes. La alternativa para abrir la posibilidad de pensar el futuro desde el pasado, nos obliga a una compleja operación: hablar mediante un estilo indirecto capaz de usurpar las voces pasadas y reeditarlas de un modo crítico, sobre un lugar y un tiempo distintos de aquellos de los que proceden.

El estilo indirecto es una técnica narrativa en la que el narrador se apropia de la voz de los personajes, selecciona la información que desea trasladar y reconstruye los hechos de una forma subordinada a la propia posición del narrador. En esta perspectiva, el estilo indirecto parece una paráfrasis perfecta de la operación que proponemos: romper la linealidad de la historia y promover una rememoración (eingedenken) en el sentido benjaminiano, al modo de apertura de un episodio pasado que ahora “nos asalta para interrumpir la linealidad del tiempo haciendo estallar los materiales explosivos de la historia”.

Estilo indirecto se configura como un proyecto donde se coleccionan pequeños relatos arraigados en episodios históricos. En calidad de relatos de estilo indirecto, cada una de estas narraciones pone en juego la ensoñación de la historia desde las tensiones del presente y desde la impaciencia por apuntar horizontes de futuro. En esta encrucijada, cada uno de los ensayos fotográficos de Estilo indirecto, desarrolla una arqueología política mediante la cual las imágenes pasadas se abren hacia un adelante perpetuo.

 Autores participantes: Tomas Steinert, Peter Piller, David Maljkovic, Adrià Julià, Chris Mottalini, Eve Sussman, Javier Peñafiel, Jordi Colomer.

Fundació Foto Colectania

Julián Romea 6, D2
08006 Barcelona

LA CIUDAD MAGNÍFICA
ALFONSO DE LA TORRE

23/06/2011 – 18/09/2011

©Vincenzo Castella,Rotterdam Architecture buildings, 2002.

Era una ciudad magnífica -un modelo de temporada (…)
André Breton y Paul Eluard, “Dictionnaire abregé du surréalisme”, Galerie Beaux Arts, Paris, 1938.
Edición española de Ediciones Siruela, Madrid, 2003, pp. 29 y 30.
La voz « ciudad » aparece firmada por Georges Hugnet.

Bienvenidas las imágenes de la ciudad al mundo del arte: los callejones y escaparates, cabarés y plazas, nieve y lluvia bañando el adoquín, el mundo en suspensión retratado por Eugène Atget. Los carteles luminosos de “Mazda” sobre los grandes bulevares parisinos, vistos por Jacques-André Boiffard para “Nadja” (1929).

¡ Bienvenidos edificios, calles, comercios, vehículos y peatones, tránsito, farolas y neones -qué conmoción a Tristan Tzara-, luces de la ciudad…pasen a la cirlotiana pizarra de la noche !.

La errancia, decía Breton, no es inútil, y vagar por las calles, con la vista despierta, es un acto del arte.

Encuentro con las luces bonaerenses de Horacio Coppola, mas también las calles oscuras, susurrantes, pareciere que en territorio de nadie, vistas por Brassaï o Edward Steichen.

Nieve, en la Quinta Avenida, retrató Alfred Stieglitz. Locura de la música de los tranvías transitando con su música chirriante, días y tardes ebrias de gin, llameantes de electricidad, que cantara Apollinaire .

Nuevo siglo: la vida moderna había llegado y la ciudad era un lugar maravilloso, centro de la perpetua diversión, el espacio “où l’on ne s’ennuie pas” .

Promisorio símbolo y espejo de la modernidad, sería Balzac, en “Las ilusiones perdidas”, quien vaticinaría que este espacio nuevo encarnaría los tiempos que llegaban. Mas también lo auguraron Gustave Flaubert, en “Bouvard y Peuchet” o el flâneur Baudelaire.“Todo para mí -escribirá éste en “Le Cygne”- se convierte en alegoría”: era el viaje al fondo de lo desconocido para descubrir lo nuevo.

Picasso fue uno de los artistas que comprendieron primero que la gran urbe era el nuevo mundo, trasladándose a Paris según se iniciaba el siglo veinte, mas también Louis Aragon lo constataría en “Le Paysan de Paris”; Walter Benjamin en los “Pasajes”; Louis Ferdinand Celine en su “Viaje al fin de la noche”.

A partir de este momento, la belleza, con sus cánones tradicionales, no sería. Al menos no existiría como había venido siendo concebida.

Esto es, no sería la belleza única y absoluta, la transitada por la luz plácida de las bellas historias del arte. Y es que signo de la modernidad manifestado en el inicio del siglo pasado era la posibilidad de extraer belleza, -la stendhaliana promesa de felicidad-, de la realidad agitada.
Baudelaire lo explicará también con precisión: el artista moderno tendrá la facultad de descubrir, en el páramo confuso de la gran ciudad, una belleza distinta no revelada hasta entonces. A un tiempo nuevo le correspondería pues un arte también distinto. Emulando el collage, los nuevos artistas visuales consideran ha llegado la hora de jugar con los fragmentos rotos, un tiempo pleno de experiencias vertiginosas que vindican un cierto relativismo estético, la extrañeza de lo bello hallado en los lugares más sorprendentes.

Los artistas, en especial los ungidos por la fe surrealista, cantan a la ciudad tal el lugar ecléctico en el que es posible, al fin, tentar desvelar la vida. Emblema y paradoja de un mundo tan fascinado como desencantado, un mundo moderno y promisorio inundado por constelaciones de signos, fragmentario, un universo donde perderse entre el brillo y el tedio, entre la luz y las tinieblas de la moda y la prensa o el coleccionismo y el teatro.

Desde la confesada lectura de Aragon, Benjamin promueve una nueva “lectura” de la ciudad. Ésta se extiende como un ignoto texto a descifrar debiendo incorporar para ello todos los elementos que en muchas ocasiones han quedado marginados, lo que él a veces mencionó como un harapo o desecho visual. Son desvelados para el arte lugares que hasta la fecha no habían sido su objeto: los pasajes comerciales y los escaparates entre ellos, los graffitis y las guías turísticas. Es la búsqueda, escribe, de esos últimos parajes del flâneur…. La voz “Ciudad” se integra en el diccionario surrealista de Breton-Eluard. Dixit Georges Hugnet, el collagista urbanita: “era una ciudad magnífica -un modelo de temporada-” . Voz “ciudad”, inmediata predecesora de “collage” que suscribe Max Ernst: “es algo así como la alquimia de la imagen visual. El milagro de la transfiguración total de los seres y de los objetos (…)” .

PILAR CITOLER
La colección de Pilar Citoler (Zaragoza, 1937) se ha especializado en fotografía y vídeo contemporáneo dando así nombre el Premio Internacional de Fotografía Contemporánea convocado por un conjunto de instituciones cordobesas impulosado por la Universidad de esta ciudad. A la par dicho Premio edita una colección de monografías sobre fotografía bajo el título “El ojo que ves” (www.premiopilarcitoler.es).
Han sido numerosas las exposiciones promovidas, de modo específico, en torno a su colección fotográfica, siendo preciso destacar, entre otras: “El ojo que ves” (Córdoba, 2007); “La ilimitada energía del paisaje” (Monasterio de San Juan de la Peña, 2008) o “Modernstarts” (Córdoba, 2009). Colabora también con el Concurso Internacional de la Alliance Française.
Pilar Citoler recibió en 2005 el Premio ARCO al coleccionismo privado en España y en diciembre de 2007 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Pertenece al Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que presidió entre 2007 y 2010. En 2008 participó, en el Centro Andaluz de Fotografía, en el Encuentro Internacional de Centros de Fotografía.

Centro Andaluz de la Fotografía. C/. Pintor Díaz Molina, 9. 04002-Almería

RODNEY SMITH

“The End”

Del 18 de mayo al 19 de junio de 2011

©Rodney Smith

El fotógrafo Rodney Smith presenta la exposición “The End”, la obra recoge los trabajos que el prestigioso fotógrafo norteamericano ha realizado en los últimos 20 años.

Una colección de contenido sutilmente surreal. Sin duda, la calidad técnica y la temática de las imágénes creadas por este artista le han permitido situarse en un lugar de privilegio dentro del panorama fotográfico de nuestros días.

Rodney Smith, que estudió fotografía en la Universidad de Yale en los años 70 del pasado siglo bajo la tutela del célebre Walker Evans, ha desarrollado una amplia y variada labor como fotógrafo y también como docente. En la actualidad enseña fotografía en la ciudad norteamericana de Santa Fe, Nuevo México. La original creatividad de su trabajo ha sido reconocida con numerosos premios. Está considerado internacionalmente como uno de los mejores practicantes contemporáneos de la fotografía en blanco y negro, aunque también realiza imágenes en color. La crítica ha subrayado el carácter surreal y onírico de muchas de sus fotografías.

De su valía como fotógrafo profesional dan buena prueba una trayectoria en la que hay que recordar que ha hecho trabajos para empresas como American Express, BMW, Starbucks, Merril Lynch, Morgan Stanley y Visa; para entidades como la Bolsa o el ballet de Nueva York. También ha realizado fotografías para revistas como “The New York Times Magazine”, “Vanity Fair” o “Esquire” y para marcas de moda como Ralph Lauren.

Su obra se ha expuesto en importantes galerías y museos, fundamentalmente norteamericanos. En 1975 recibió una beca de investigación de la Jerusalem Foundation. El fruto de su estancia en Israel fue su primer libro de fotografía: “In The Land of Light”, publicado en 1983. Diez años después publicó su segundo libro, “The Hat Book”; en 2005, el tercero, “The Book of Books”. Finalmente, en otoño de 2009, se editaría su cuarto volumen: “The End”.

Rodney Smith se licenció en 1970 en la Universidad de Virginia y recibió la licenciatura en teología de la Universidad de Yale en 1973. Durante su estancia en Yale estudió fotografía tutoriado por Walker Evans. El señor Smith actualmente enseña en Los talleres fotográficos de Santa Fe en Nuevo Mejico. A su experiencia docente también hay que añadir el puesto de profesor adjunto en Yale. Ha hecho encargos para las empresas como: La bolsa de Nueva York, American Express, BMW, MCI Worldcom, El balet de Nueva York, Starbucks, Merrill Lynch, Morgan Stanly y Visa. Sus clientes editoriales incluyen: The New York Times Magazine, Vanity Fair, W Magazine, Esquire, New York Magazine, Elegant Bride y Conde Nast Portofolio. Sus clients del mundo de la moda incluyen a nombres como: Ralph Lauren, Neiman Marcus, Ellen Tracy, Bergdorf Goodman y Saks Fifth Avenue. Ha ganado numerosos premios y concursos fotográficos.

Las galerias como Gallerie Zur Stockeregg, The Witkin Gallery, Robert Klein Gallery, Fahey Klein Gallery, Catherine Edelman Gallery, Jackson Fine Art y John Cleary Gallery han albergado la obra del Sr. Smith.

El Museo de Bellas Artes de Boston, La Galería Universitaria de artes de Yale, el Museo de Artes de Philadelphia y el Museo de Bellas Artes de Huston, entre otros han reunido su obra. En 1975 recibió la Beca de Investigación de La Fundación Jerusalem, lo cual le llevó a Jerusalem durante tres meses. El fruto de su estancia allí fue su primer libro In The Land of Light ( En la tierra de la luz) publicado por la compañía Houghton-Mifflin en 1983. La editorial Doubleday pubicó sus segundo libro, The Hat Book en 1993. En 2005, el señor Smith publicó su tercer libro, The Book of Books (El libro de los libros). La publicación de su cuarto libro The End (El fin) está prevista para el otoño del 2009. Vive con su mujer e hija en Snedens Landing, en la orilla del río Hudson cerca de Nueva York.

Spectrum Sotos

ESTO ES UNA CIUDAD.
ESTO ES NUEVA YORK

Del 5 de junio al 15 de julio de 2011

© Philip-Lorca diCorcia

El título de esta muestra, extraído de una cita del escritor ruso Máximo Gorki, representa la rotundidad con la que algunos de los más grandes fotógrafos de la historia han retratado a la Ciudad por excelencia.

Las imágenes de esta exposición dicen, como Thomas Wolf en 1935: “Es una ciudad cruel, pero llena de vida, una ciudad salvaje, pero tierna.”

Paul Strand, Lisette Model, Ruth Orkin, William Claxton, Sylvia Plachy, Evelyn Hofer, Lee Friedlander, Philip-Lorca diCorcia… Estos célebres fotógrafos, entre muchos otros (algunos de ellos anónimos), nos ofrecen las múltiples facetas de Nueva York, una ciudad que es a su vez varias ciudades, múltiples naciones, innumerables universos.

Un gran retrato

El extraordinario surgimiento, reinvención y crecimiento de Nueva York no es sólo la historia de una ciudad, sino la historia de una nación. Desde la construcción del Puente de Brooklyn a la llegada de los inmigrantes a Ellis Island; desde las barriadas del Lower East Side a los magníficos rascacielos art decó. La playa urbana de Coney Island y la procacidad de Times Square; las vistas en el Central Park y las multitudes en la Quinta Avenida.

Las calles, las aceras, el caos, la energía, la diversidad étnica, la cultura, la moda, la arquitectura, la furia y la complejidad de la metrópoli están todas expuestas, manzana a manzana, en esta sala. Esta es la ciudad más grande del mundo, después de todo, y grandes son sus extremos y sus contradicciones.

 La muestra es a su vez un homenaje al espíritu indomable de aquellos que se llaman a sí mismos neoyorquinos: desbordante de esperanza y fuerza, resuelto en su determinación de triunfar entre sus torres de cristal y granito.

“Si puedo lograrlo allí, podré lograrlo en cualquier lugar. Sólo tienes que quererlo. New York, New York.”

FNAC A CORUÑA
Mercado Eusebio da Guarda
Plaza de Lugo s/n 15004
A Coruña