Cristina García Rodero

Del 27.07.11 al 02.10.11 

La Confesión. Nuestra Señora de los Milagros. Saavedra, Lugo, 1980 © Cristina Garcia Rodero Magnum Photos

Cristina García Rodero (Puertollano, 1949) es una de nuestras fotógrafas más personales y brillantes, y la primera española en ser miembro de la Agencia Internacional de fotografía Magnum. Las imágenes que aquí presentamos abarcan más de tres décadas de trabajo, específicamente el que la autora realizó en territorio gallego. Más que en el paisaje natural o en los elementos culturalmente construidos, los artefactos, las arquitecturas o los interiores, la fotógrafa se mueve en una geografía de los sentimientos, donde se revela el espectro de las emociones humanas en todo su esplendor. Personajes que, en su universalidad, mantienen un singular anonimato.

El corpus fotográfico que García Rodero ha venido produciendo durante los últimos cuarenta años es de una relevancia ética y estética fuera de lo común. Los temas en que esta artista ha focalizado sus investigaciones han sido tratados con una extrema exigencia formal a la hora de ser incorporados al mundo de los signos. Sus imágenes se distancian de la caótica iconosfera contemporánea por su dignidad, por su perspicacia y por su coherente e incuestionable estilo. La fotografía de Cristina García Rodero llega donde no llegan las palabras: es pensamiento plástico puro, es espejo prístino y mordaz de lo real, es amor hacia lo viviente y conciencia de su precariedad y de su esplendor.

Un análisis detallado y alejado de prejuicios hace estallar el cliché en que algunas miradas superficiales han querido encerrar su obra. Porque, efectivamente, García Rodero se inscribe en la tradición de la antropología visual y usa la fotografía como instrumento para documentar rituales religiosos o folclore, pero nunca persigue lo supuestamente exótico para insertarlo en los circuitos de consumo de la sociedad del espectáculo. García Rodero se sirve de la fotografía como tecnología contemporánea para explorar los rincones más recónditos del alma humana y registra situaciones en que los individuos se producen como sujetos en un salir de sí que desborda las conexiones entre lo psicológico y lo social.

Comisarios:Miguel von Hafe Pérez y María José Villaluenga Garmendia

Organizan: 
Centro Galego de Arte Contemporánea 
Círculo de Bellas Artes

En el Laberinto

Àngels Ribé 1969-1984 15 julio – 23 octubre 2011

Exposición comisariada por Teresa Grandas

©®Àngels Ribé

La exposición de Àngels Ribé (Barcelona, 1943) que presenta el MACBA abarca un periodo de su trabajo comprendido entre 1969 y 1984. En este periodo, la función asociativa o simbólica del arte se renegocia: la obra de arte deja de ser un ente autónomo tal y como había sido concebida por la tradición moderna, y su significado depende ya del intercambio con el espectador; así, desvela la ambigüedad y la multiplicidad de referencias y lecturas que son parte intrínseca de la misma. Àngels Ribé inicia su actividad artística dentro de estos parámetros, y consolida un lenguaje propio que tiene continuidad hasta hoy a través de distintos soportes y medios.

En 1969 Ribé se traslada a París, donde empieza a desarrollar su interés por el arte. Pronto centrará su atención en la desenfatización del objeto, con acciones en las que la inclusión de elementos y materiales en la naturaleza, el trabajo sobre el espacio, la presencia de su propio cuerpo o el del espectador como elementos narrativos y la integración de las formas geométricas constituyen una parte fundamental de su discurso. Algunos de los trabajos de Àngels Ribé juegan con la descontextualización y se caracterizan por el uso de materiales poco convencionales como la espuma, el agua, la luz y la sombra. También es importante su interés por el hallazgo fortuito de elementos y por lo efímero, así como su voluntad de potenciar las posibilidades narrativas del entorno.

Durante la década de los setenta Ribé viaja a Chicago y unos meses después se instala en Nueva York, donde vivirá hasta 1980. En esta época, Ribé aborda el ámbito de la performance y la instalación. En la performance ya no se busca investir el objeto de entidad artística, sino que es la presencia tanto de la artista como del espectador lo que incorpora un factor de subjetividad en el desarrollo de una acción en un espacio y un tiempo delimitados. Se trata de desplazar la producción de sentido del objeto artístico hacia la experiencia, un proceso de desobjetualización del arte. Otros trabajos le permitirán enriquecer matices y tratar el tema de la intervención del inconsciente y la subjetividad en la percepción, incorporar aspectos coyunturales y el análisis del contrasentido de la información, y también aspectos relacionados con su condici&oacu te;n de mujer y su bagaje personal.

La exposición, que también presenta una selección de dibujos inéditos ejecutados en 1984, se complementa con un catálogo en el que se incluyen textos de Teresa Grandas, Antoni Llena, Bartomeu Marí y Abigail Solomon-Godeau.

En el Laberinto

Àngels Ribé 1969-1984 15 julio – 23 octubre 2011

Exposición comisariada por Teresa Grandas La exposición de Àngels Ribé (Barcelona, 1943) que presenta el MACBA abarca un periodo de su trabajo comprendido entre 1969 y 1984. En este periodo, la función asociativa o simbólica del arte se renegocia: la obra de arte deja de ser un ente autónomo tal y como había sido concebida por la tradición moderna, y su significado depende ya del intercambio con el espectador; así, desvela la ambigüedad y la multiplicidad de referencias y lecturas que son parte intrínseca de la misma. Àngels Ribé inicia su actividad artística dentro de estos parámetros, y consolida un lenguaje propio que tiene continuidad hasta hoy a través de distintos soportes y medios. En 1969 Ribé se traslada a París, donde empieza a desarrollar su interés por el arte. Pronto centrará su atención en la desenfatización del objeto, con acciones en las que la inclusión de elementos y materiales en la naturaleza, el trabajo sobre el espacio, la presencia de su propio cuerpo o el del espectador como elementos narrativos y la integración de las formas geométricas constituyen una parte fundamental de su discurso. Algunos de los trabajos de Àngels Ribé juegan con la descontextualización y se caracterizan por el uso de materiales poco convencionales como la espuma, el agua, la luz y la sombra. También es importante su interés por el hallazgo fortuito de elementos y por lo efímero, así como su voluntad de potenciar las posibilidades narrativas del entorno. Durante la década de los setenta Ribé viaja a Chicago y unos meses después se instala en Nueva York, donde vivirá hasta 1980. En esta época, Ribé aborda el ámbito de la performance y la instalación. En la performance ya no se busca investir el objeto de entidad artística, sino que es la presencia tanto de la artista como del espectador lo que incorpora un factor de subjetividad en el desarrollo de una acción en un espacio y un tiempo delimitados. Se trata de desplazar la producción de sentido del objeto artístico hacia la experiencia, un proceso de desobjetualización del arte. Otros trabajos le permitirán enriquecer matices y tratar el tema de la intervención del inconsciente y la subjetividad en la percepción, incorporar aspectos coyunturales y el análisis del contrasentido de la información, y también aspectos relacionados con su condici&oacu te;n de mujer y su bagaje personal. La exposición, que también presenta una selección de dibujos inéditos ejecutados en 1984, se complementa con un catálogo en el que se incluyen textos de Teresa Grandas, Antoni Llena, Bartomeu Marí y Abigail Solomon-Godeau,

El Festival se clausura el próximo domingo, 24 de julio

PHotoEspaña 2011 incrementa un 10% sus visitas en una edición en la que su presupuesto se ha reducido un 12%

La XIV edición de PHotoEspaña alcanza las 778.000 visitas, el mejor resultado de todas sus ediciones en un año en el que ha contado con un 12% menos de presupuesto, pasando de 3,56 a 3,13 millones de euros

PHE11 ha organizado 66 exposiciones en Madrid, Cuenca, Lisboa y Alcalá de Henares que han reunido a 370 fotógrafos de 55 nacionalidades entre los que se encuentran Thomas Ruff, Cindy Sherman, Ron Galella, Fernell Franco, Alfredo Jaar y Esther Ferrer

El comisario general Gerardo Mosquera ha creado una programación expositiva en torno al tema Interfaces. Retrato y comunicación

Más de 1.000 fotógrafos han participado en Descubrimientos PHE y Campus PHE Comunidad de Madrid, plataformas para la creación e intercambio de conocimientos entre fotógrafos noveles y destacados profesionales. Campus ha renovado la tipología de sus talleres e incrementado su oferta

Más de 5.000 personas han participado en los talleres de fotografía, clases magistrales, visitas guiadas, talleres infantiles, conferencias y mesas redondas organizadas por el Festival

La oferta educativa de PHotoEspaña se ha ampliado con talleres intergeneracionales y programas educativos en los que han participado más de 1.000 personas

El colectivo de Amigos PHE alcanza los 1.830 miembros, que cuentan con actividades exclusivas y con el Espacio PHotoEspaña como punto de encuentro

La difusión del Festival se incrementa y alcanza más de 1.800 reseñas en prensa, radio, televisión y webs nacionales e internacionales. PHE11 ha acreditado a 600 periodistas de 27 países

Las actividades de PHotoEspaña proseguirán en otoño con la tercera edición de Trasatlántica, que organizará actividades en República Dominicana, Chile, Bolivia y Miami

Resultados del Observatorio de la Cultura. Segundo semestre 2011

Los profesionales de la cultura afirman que los presupuestos del sector han vuelto a recortarse este año alrededor de un 20% y apuntan alternativas para afrontar esta reducción

La mayoría de los sondeados descarta una recuperación económica perceptible a corto plazo en el sector

Los encuestados se decantan por reconocer el valor social excepcional de la cultura y hacer un esfuerzo por mantener los presupuestos públicos así como racionalizar el gasto, insostenible en algunos casos

El panel de expertos ha señalado que es necesario ampliar el alcance y las ventajas fiscales de la actual ley de mecenazgo así como que la sociedad y medios de comunicación reconozcan el valor del mecenazgo y el patrocinio cultural

El Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de Cáceres, Matadero Madrid y Laboral en el ámbito público, y CaixaForum, Fundación Mapfre y La Casa Encendida, en el privado, son las mejores iniciativas culturales de los últimos años, desarrolladas a pesar de las dificultades económicas

Los usos de tecnologías más extendidos a nivel personal por los profesionales de la cultura son la lectura de prensa en Internet y la conexión a Internet desde el móvil. Las menos frecuentes son la lectura de libros electrónicos o ver cine en casa desde la red

En cuanto a su uso en instituciones culturales, destacan la utilización de redes sociales para comunicación y el envío de información digital. Entre los menos extendidos se encuentran el desarrollo de aplicaciones para móviles y la venta online

El Observatorio de la Cultura, una iniciativa de la Fundación Contemporánea, es un espacio para la recogida de información, reflexión y análisis que sondea la percepción del estado y la tendencia de la cultura actual pulsando la opinión de sus profesionales

Ha participado en la consulta un panel de expertos compuesto por 99 creadores, críticos, especialistas, programadores, gestores de instituciones y empresas culturales y responsables de áreas culturales de la administración pública

La Fundación Contemporánea presenta los resultados de la consulta del Observatorio de la Cultura, correspondiente al segundo semestre de 2011.

El objetivo del Observatorio de la Cultura es captar la percepción del estado y la tendencia de la cultura actual, así como la creación de unos indicadores que permitan tener una visión concreta de la evolución del panorama cultural. Para ello, realiza una Consulta semestral a un panel de expertos formado por profesionales de primer nivel de nuestra cultura: escritores, artistas, directores y actores, arquitectos, responsables de fundaciones, directores de museos, centros e instituciones culturales; editores, productores, promotores, galeristas, responsables de industrias culturales, comisarios de exposiciones, gestores culturales así como responsables de áreas culturales de la administración pública central, autonómica y municipal.

Han participado en la tercera consulta del Observatorio de la Cultura 99 miembros del Panel de expertos.

La cultura en tiempos de crisis
El Observatorio de la Cultura correspondiente al segundo semestre de 2011 ha analizado detenidamente el estado de la cultura en tiempos de crisis, haciendo un seguimiento del impacto de la crisis económica en el sector y analizando las posibles respuestas a la misma.

Los miembros del panel han estimado la variación sufrida por los presupuestos del ejercicio 2011 respecto al año anterior en su institución, centro de trabajo o actividad profesional. El 78% de los encuestados afirman que estos se han vuelto a reducir hasta un 20% (para el 37,4% de los panelistas) y hasta un 40% o más (para otro 40%). En el otro extremo, los presupuestos se han mantenido este año para un 15,45% y tan solo para el 6,6% han aumentado.

Preguntados con respecto a las perspectivas para el inicio de una recuperación económica perceptible en el sector, la gran mayoría la descarta a corto plazo. El 18,9% considera que no comenzará hasta el 2012, el 32,6% cree que no lo hará hasta 2013 mientras que un 26,3 y un 20% consideran que habrá que esperar hasta 2014 y 2015, respectivamente.

Ante una serie de alternativas propuestas para afrontar la reducción de presupuestos públicos para la cultura valoradas del 1 al 5 (5 totalmente de acuerdo y 1 total desacuerdo), los encuestados se han decantado por las siguientes opciones: “Hay que reconocer el valor social excepcional de la cultura y hacer un esfuerzo por mantener los presupuestos públicos” (4,2); “La crisis es una ocasión para racionalizar el gasto, insostenible en algunos casos” (4.0); “Las instituciones culturales públicas deben completar sus presupuestos generando ingresos propios” (3,8); “Hay que incentivar la financiación privada de la cultura, que debe tomar el relevo del sector público” (3,3); y “No se puede mantener la oferta cultural actual, hay que reducirla selectivamente en función del valor de cada proyecto” (3,2).

Ante las restricciones de los presupuestos públicos, el Observatorio ha preguntado al panel de expertos qué frena el desarrollo de la iniciativa privada en Cultura. Los panelistas han señalado los que, en su opinión, son los frenos que impiden su mayor desarrollo. El 84,7% cree necesario ampliar el alcance y las ventajas fiscales de la actual ley de mecenazgo; el 57,1 % considera que los medios de comunicación españoles y la sociedad no reconocen el valor del patrocinio y mecenazgo cultural, lo que disminuye su impacto; un 53,1% entiende que la sociedad civil española no tiene apenas asumida su responsabilidad de contribuir a la financiación de la cultura; un 42,9 % cree que el sector privado también sufre la crisis económica; y un 29,6% estima que los proyectos culturales deben mejorar las contraprestaciones que ofrecen a sus patrocinadores.

Asimismo, los panelistas han aportado otras sugerencias como adelgazar las administraciones culturales, unificar las redes culturales públicas y encomendar su dirección a profesionales; que la clase política se acerque sin complejos al mundo empresarial; que las instituciones culturales desarrollen una verdadera acción de marketing hacia las empresas, más allá de limitarse a pedir dinero. También se incluyen reflexiones como que el mecenazgo conlleva censuras y que el neoliberalismo busca privatizar también la cultura por razones económicas, no por el interés de las personas.

Preguntados sobre las mejores aportaciones culturales de los últimos años, desarrolladas a pesar de las dificultades económicas las más citadas son, entre más de 175 iniciativas, las siguientes

En el ámbito público las cinco aportaciones más mencionadas son el Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear (11), Matadero Madrid (10), Laboral (8), Centro de Arte Dos de Mayo (7) y el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (7). En el ámbito privado las cinco más destacadas son CaixaForum (18), Fundación Mapfre (13), La Casa Encendida (10), PHotoEspaña (6) y Ivory Press (5).

Penetración tecnológica
La segunda parte del Observatorio ha preguntado acerca de la penetración tecnológica, analizando el grado de utilización de algunas nuevas herramientas tecnológicas tanto a nivel individual, por parte de los directivos y profesionales de la cultura que integran el panel, como de las organizaciones en las que trabajan.

Preguntados acerca del uso de tecnologías por los profesionales de la cultura, entre los usos más extendidos a nivel personal destacan la lectura de diarios y revistas en internet (el 70% lo hace habitualmente), la conexión a internet desde el teléfono móvil (70%), o la compra en la red de entradas (62%) y libros (42%). Un 44% de los encuestados participa habitualmente en redes sociales, un 40% utiliza iPad u otras tabletas y un 37% escucha música legal desde la red (iTunes, Spotify…). Entre las herramientas de uso menos frecuente se encuentran la lectura de libros electrónicos (sólo un 8% lo hace de forma habitual) o ver cine en casa desde la red (un 13%).

En cuanto a los usos tecnológicos en las instituciones culturales, destacan la utilización de redes sociales para comunicación (un 63% las utiliza habitualmente) y el envío de boletines informativos e invitaciones digitales (43%). Entre los menos extendidos se encuentran el desarrollo de aplicaciones para dispositivos móviles (de uso avanzado para el 26% de los encuestados) y la venta online de sus productos y servicios (solo el 19% declara estar

En líneas generales, el 33% considera que su organización está muy adelantada en el uso de nuevas tecnologías, el 59% afirma que se encuentra en un desarrollo parcial, mientras que solo un 2% cree que su organización está muy atrasada en este aspecto.

Sobre la Fundación Contemporánea
La Fundación Contemporánea, una iniciativa de La Fábrica, es una plataforma de encuentro, discusión y debate para los profesionales de las diferentes disciplinas del mundo cultural. Su objetivo es promover la creación contemporánea, impulsar el trabajo de los jóvenes talentos y difundir y fomentar la cultura como uno de los grandes bienes colectivos de nuestro tiempo. La Fundación Contemporánea centra su trabajo en la creación de redes de información y la transmisión de conocimiento.

Entre las actividades promovidas por la Fundación Contemporánea se encuentra Pública.12 | Encuentros Profesionales de Gestión Cultural, cuya segunda edición tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid del 26 y 27 de enero de 2012.

 

Presentación en Rueda de Prensa de TALKING GALLERIES, primer encuentro internacional de galeristas

Presentació en Roda de Premsa de TALKING GALLERIES, primer meeting internacional de galeristes

Presentación de Talking Galleries esta mañana en Barcelona

Ha tenido lugar en Barcelona la presentación de TALKING GALLERIES, el primer encuenro internacional de galeristas, que tendrá lugar en Barcelona los días 19, 20 y 21 de septiembre en el Auditorio del MACBA.

La rueda de prensa ha tenido lugar en la sede del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y ha contado con la presencia en la mesa de ponentes del Conseller de Cultura de la Generalitat, Ferran Mascarell; el Director del Institut Català de les Indústries Culturals (ICIC), Félix Riera; el Teniente de alcalde de Cultura, Conocimiento, Creatividad e Innovación del Ayuntamiento de Barcelona, Jaume Ciurana; Alberto Anaut, Director de La Fábrica; y Llucià Homs, Impulsor del Proyecto TALKING GALLERIES.

Además, también han asistido representantes de las asociaciones de galeristas de Barcelona y Cataluña, del MACBA (sede del meeting) y de la Fundació Miró, colaboradora del evento.

Mascarell ha considerado que la “propuesta puede sumar algunas de las cosas que nuestro país aporta y que la inicitiva, tal y como la han configurado la gente de La Fabrica, tiene garantías”. Ha añadido que su trabajo “consiste al acertar en las apuestas” y que creen que “esta es una buena apuesta surgida del mundo privado en colaboración con el sector público”.

Riera, por su parte, ha hablado de TALKING GALLERIES como una iniciativa “que suma en todos los sentidos y de gran valor estratégico”. Mientras Ciurana ha destacado que se trata de proyecto que “surge de la sociedad cultural de Barcelona. La administración ayuda, colabora e impulsa”, ha afirmado “pero el proyecto nace, sobre todo, de una necesidad detectada por la sociedad cultural”. También ha añadido que “las galerías forman parte de la sociedad cultural; son equipamientos culturales”, y que “intentar dar esta mirada ya supone un terreno ganado muy grande”.

Homs, por su parte, como principal impulsor del meeting, se ha encargado de desgranar los contenidos y detalles de la programación y sus participantes.

TALKING GALLERIES propone un encuentro de profesionales del sector que trasciende lo comercial para centrarse en el debate y la reflexión sobre los temas de actualidad en el panorama galerístico. Para ello Barcelona (y más concretamente el Auditorio del MACBA, sede del evento) recibirá a varios de los más importantes galeristas internacionales, así como comisarios, coleccionistas, críticos de arte, directores de centros artísticos y otras figuras clave del sector.

En total participarán 25 participantes procedentes de 11 países. Cada uno de ellos ha sido elegido por su contrastada experiencia en el sector, y más específicamente por sus respectivos conocimientos en cada uno de los temas que estructuran las tres jornadas de debate.

Consonancias, disonancias (una inmersión en lo emergente) es una muestra que se desarrolla en base a opuestos, unos opuestos que terminan sacando a colación muchos de los ámbitos temáticos, formales y conceptuales de la más interesante fotografía novel que se realiza hoy en día. Ésa es la tesis que humildemente plantea esta exposición, reflexionar sobre cómo leer e interpretar mejor a la fotografía contemporánea y hacerlo identificando algunas de sus claves más habituales. Los cuatro artistas seleccionados no representan ni por asomo al amplio panorama de creación fotográfica actual, ni siquiera a sus más principales vías de expresión. Sería ingenuo pretenderlo.

Pero qué duda cabe que si nos adentramos en el estudio detallado de lo que mueve la inspiración, las motivaciones, las intenciones, los puntos de vista, las temáticas, los argumentos, los estilos, los métodos y los lenguajes de estos cuatro jóvenes, nos estaremos sumergiendo en un rico mapa de intereses comunes presente en la obra de muchos de los autores que están empezando a señalarse en la fotografía actual.

Una española, dos argentinos y un italiano configuran el listado de autores/as de esta muestra en la que se pueden ver cuatro proyectos individuales (uno por cada planta de las que consta la galería) pero que, curiosamente, de alguna manera también se interrelacionan creando el pequeño juego de opuestos dos a dos (coincidencias y disidencias dobles) que vamos a ver a continuación (aunque no siempre con las mismas parejas enfrentadas).
Dos autoras, dos autores, dos constructores de sus escenas y fotografías (constructoras, mejor dicho) dos documentalistas natos, dos sucios jugando con una estética feísta, dos limpias hasta el preciosismo, dos contemplativos, dos voyeuristas compulsivos, dos paisajistas, dos retratistas, dos reporteros, dos artistas, dos obsesivos, dos (elegantemente) distantes, dos endógenos (autoidentitarios), dos exógenos, dos intuitivos, dos metódicas,… incluso hay un opuesto puramente anecdótico pero que nos permite participar en este juego de enfrentamientos dos a dos desde una posición marcada por el puro azar: dos cordobeses (aunque una andaluza y el otro argentino) dos no cordobeses. Simple anécdota perfecta (¿por qué no?) para contribuir al juego poético que busca este ensayo.

Jesús Micó

Galería Cero (EFTI)

Llegamos por fin al momento más esperado de la última Masterclass de FOTOACTITUDES a cargo de Chema Madoz. Nos colamos con él en su estudio, ese lugar donde se materializan sus ideas: un espacio para el trabajo físico y fotográfico. La paciencia y la dedicación, así como una cierta destreza, son los elementos que culminan sus fotografías. Nos cuenta cómo descubre un buen número de puntos de vista distintos a los que él expresa cuando el espectador se sitúa delante de su obra y la analiza, en esa apropiación que comentábamos en pasados boletines.

Imagen del 6º capítulo de la Masterclass de Chema Madoz

El Reto de Madoz es el de coger cualquier objeto, simple, sencillo, cotidiano, que tengas en casa y enfrentarse a él. Interrogarlo. Pensar sobre ello y ver qué posibilidades hay en él para extraer de ahí una imagen que pueda suscitar su propio interés y del ojo ajeno que mira e interpreta. Ya sabes que no hace falta ser profesional para participar en FOTOACTITUDES, así que ve preparando diafragma y a fotografiar.

“Polaroid Gigante 50×60-España” exposición de fotógrafos españoles

Hasta el  14 de agosto

©Chema Madoz

Chema Madoz, Juan Manuel Castro Prieto, Manuel Vilariño, Mónica Lleó, Roberto Chicharro, Manuel Falces, Ricardo Martín, Toni Catany, Ouka Leele, Josep Vicent Monzó nos presentan una serie de Obras fotográficas realizadas cámaras de gran tamaño lo que les da la oprtunidad  de revelar negativos de 50 x 60 cm.

Con esta muestra se pretende dar visibilidad a nuevos lenguajes artísticos en el panorama actual, siendo la fotografía uno de los que toma mayor fuerza e iniciativa. Estos trabajos que nos ocupan, surgen dentro de un contexto de instantaneidad, de momentos repentinos, de captación de la imagen con la inmediatez que provoca la cámara Polaroid, pero a su vez con la meditación del concepto, del objeto y sujeto representado.

Estas fotografías pertenecen a los fondos del Centro Andaluz de la Fotografía (CAF) y a través de la colaboración adquirida con el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación, a través de AECID, se pretende dar a conocer estas imágenes fuera de nuestras fronteras.

Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo-Uruguay)

Šejla Kamerić y Anri Sala. 1395 días sin rojo

19/10/2011 – 09/01/2012   MACBA ©Šejla Kamerić y Anri Sala 1395 Days Without Red 2011

En el marco de la Colección MACBA, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) ofrecerá 1395 días sin rojo (2011), un proyecto colaborativo de los los artistas Šejla Kamerić y Anri Sala, con la colaboración de Ari Benjamin Meyers. La presentación comprende dos películas, coproducidas por la Fundación MACBA y Artangel (Londres) junto a ocho destacadas entidades internacionales.

Mil tres cientos noventa y cinco son los días que duró el sitio de Sarajevo. Entre 1992 y 1996, miles de ciudadanos tuvieron que cruzar a diario calles amenazadas por francotiradores para ir al trabajo, comprar comida o visitar a la familia. La cámara sigue a una mujer en su ruta diaria. La ciudad es la de hoy. El tiempo de la filmación es a la vez presente y pasado. En cada esquina la mujer está expuesta a las balas y cada intersección supone un nuevo cálculo antes de caminar.

La geografía de la ciudad dibuja una topografía de exposición y protección, relieve y miedo. El ritmo de la película depende de la velocidad de la caminata, acompañada de una música. La mujer revive la experiencia de otras personas en el preciso lugar donde ocurrió el drama. Es su desplazamiento individual en el pasado colectivo. Lo que ocurrió entonces vuelve a suceder de nuevo en el presente.

La artista Šejla Kamerić (Sarajevo, 1976) pertenece al círculo de creadores balcánicos que reflejan en su trabajo el proceso dramático de desintegración de los regímenes comunistas y la consecuente y dolorosa búsqueda de identidad nacional y social. La acentuación del conflicto entre las tradiciones pertenecientes a la cultura local y los elementos del estilo de vida globalizada es característica de esta generación de artistas. Kamerić ha adoptado una postura de presencia artística activa. A partir de elementos o acontecimientos aparentemente triviales realiza todo un proceso de identificación de defectos y necesidades sociales.

El artista albanés Anri Sala (Tirana, 1974) es uno de los jóvenes talentos más destacados en la actualidad. Sus obras son meditaciones sobre la lentitud, con una casi ausencia de movimientos de cámara. En contraste con la velocidad de las imágenes de los medios de comunicación, a menudo congela escenas en imágenes fijas para realzar detalles aparentemente nimios.

Obra coproducida por Artangel (Londres) y la Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) / con el patrocinio de Han Nefkens, H+F; Manchester International Festival / Whitworth Art Gallery (Manchester); Festival d’Automne (París); Arts Council England; European Cultural Foundation; Film Fund Sarajevo; Marian Goodman Gallery (Nueva York) y Hauser & Wirth (Londres/Zuric)

Šejla Kamerić y Anri Sala. 1395 días sin rojo

19/10/2011 – 09/01/2012   MACBA

En el marco de la Colección MACBA, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) ofrecerá 1395 días sin rojo (2011), un proyecto colaborativo de los los artistas Šejla Kamerić y Anri Sala, con la colaboración de Ari Benjamin Meyers. La presentación comprende dos películas, coproducidas por la Fundación MACBA y Artangel (Londres) junto a ocho destacadas entidades internacionales. Mil tres cientos noventa y cinco son los días que duró el sitio de Sarajevo. Entre 1992 y 1996, miles de ciudadanos tuvieron que cruzar a diario calles amenazadas por francotiradores para ir al trabajo, comprar comida o visitar a la familia. La cámara sigue a una mujer en su ruta diaria. La ciudad es la de hoy. El tiempo de la filmación es a la vez presente y pasado. En cada esquina la mujer está expuesta a las balas y cada intersección supone un nuevo cálculo antes de caminar. La geografía de la ciudad dibuja una topografía de exposición y protección, relieve y miedo. El ritmo de la película depende de la velocidad de la caminata, acompañada de una música. La mujer revive la experiencia de otras personas en el preciso lugar donde ocurrió el drama. Es su desplazamiento individual en el pasado colectivo. Lo que ocurrió entonces vuelve a suceder de nuevo en el presente. La artista Šejla Kamerić (Sarajevo, 1976) pertenece al círculo de creadores balcánicos que reflejan en su trabajo el proceso dramático de desintegración de los regímenes comunistas y la consecuente y dolorosa búsqueda de identidad nacional y social. La acentuación del conflicto entre las tradiciones pertenecientes a la cultura local y los elementos del estilo de vida globalizada es característica de esta generación de artistas. Kamerić ha adoptado una postura de presencia artística activa. A partir de elementos o acontecimientos aparentemente triviales realiza todo un proceso de identificación de defectos y necesidades sociales. El artista albanés Anri Sala (Tirana, 1974) es uno de los jóvenes talentos más destacados en la actualidad. Sus obras son meditaciones sobre la lentitud, con una casi ausencia de movimientos de cámara. En contraste con la velocidad de las imágenes de los medios de comunicación, a menudo congela escenas en imágenes fijas para realzar detalles aparentemente nimios. Obra coproducida por Artangel (Londres) y la Fundació Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) / con el patrocinio de Han Nefkens, H+F; Manchester International Festival / Whitworth Art Gallery (Manchester); Festival d’Automne (París); Arts Council England; European Cultural Foundation; Film Fund Sarajevo; Marian Goodman Gallery (Nueva York) y Hauser & Wirth (Londres/Zuric)